Landskapsfoto av kunst: Den komplette guiden

Innholdsfortegnelse:

Anonim

Kanskje du har hørt ordet kunst kunst landskapsfotografering.

Men er landskapsfotografering i kunst noe du bør prøve å lage? Og hva skiller et kunstfoto fra et øyeblikksbilde?

I denne artikkelen skal jeg forklare alt du trenger å vite om fotografering i kunst. Jeg begynner med å forklare hva det faktisk er - og jeg vil fortsette med å gi deg mange tips du kan bruke til å forbedre dine egne landskapsbilder!

La oss komme i gang.

Hva er landskapsfotografering i kunst?

Noen begreper er vanskelig å definere, og kunstfotografering faller inn i den kategorien.

"Det er alltid to personer i hvert bilde: fotografen og betrakteren."

- Ansel Adams

Når det er sagt, handler kunstfotografering mindre om emnet og mer om fotografen. Målet ditt med kunstfotografering er ikke å bare vise seeren din hva du så; det er for å kommunisere hvordan det føltes å være der og hvordan scenen fikk deg til å føle deg.

Det var under null den morgenen jeg tok dette bildet i Yellowstone nasjonalpark. Jeg la til en blåaktig tone for å hjelpe seeren til å oppleve kulden jeg følte da jeg laget bildet.

“Fotografering for meg ser ikke ut, det føles. Hvis du ikke kan føle det du ser på, vil du aldri få andre til å føle noe når de ser på bildene dine. "

- Don McCullin

Så hvordan kommuniserer du følelser gjennom fotografier?

Her er noen tips du bør vurdere når du fotograferer landskapsfotografering i kunst.

Dette bildet er en favoritt på grunn av hvordan det "føles." Jeg synes det gjør en fin jobb å formidle den kalde, våte, tåke atmosfæren på en morgen i Columbia Gorge i Oregon, et sted der tåken ofte henger tykk.

1. Tenk på hva som vil gjøre bildet ditt unikt

Har du noen gang laget et landskapsbilde på et sted hvor andre fotografer står oppstilt ved siden av deg som også jobber med scenen?

De fleste av oss har.

Spørsmålet som skal stilles er:

Hvordan vil bildet ditt være annerledes, unikt, spesielt? Hva er det med bildet ditt som vil skille seg ut? Hvordan kan du sette din unike signatur på bildet?

Valgene du tar for å lage et bilde som er helt ditt saken. Enhver kokk kan følge en oppskrift, og hvis et dusin kokker alle jobber med den samme oppskriften, vil rettene i det vesentlige ikke skelnes. Gourmetkokken som lager sin signaturrett, vil imidlertid streve for å gjøre måltidet unikt.

Og som kunstnerisk kunstfotograf bør målet ditt være det samme.

Nesten alle elsker et solnedgangsbilde, sannsynligvis på grunn av hvordan de får oss til å føle oss. Å injisere følelse i landskapsbildene dine er en stor del av det som tar et bilde inn i "kunstens" rike.

“Flott fotografering handler om følelsesdybde, ikke dybdeskarphet.”

- Peter Adams

2. Vær forsettlig og bevisst

Når lyset endrer seg raskt, kan det hende at en landskapsfotograf trenger å bevege seg raskt. Imidlertid kan de fleste landskapsfotografering gjøres i et sakte og gjennomtenkt tempo.

I stedet for å bare se en scene, plassere stativet, skyte først og stille spørsmål senere, må du gjøre det motsatte. Før du til og med berører kameraet, må du nøye observere scenen. Ro ned.

Spør deg selv hva som først tiltrukket deg av scenen. Hvordan får det deg til å føle deg? Hvordan kan du best komponere bildet? Hva om du flyttet deg høyere, lavere, til et annet utsiktspunkt, brukte en annen linse? Hva kan du gjøre for å fange følelsene dine best i rammen?

Morgenlyset, tåken og skogen kombinert for å gjøre det til en magisk morgen da jeg fikk muligheten til å skyte i Groton State Forest i Vermont.

Aldri vær en skyteskyting. Dra nytte av den øyeblikkelige avspillingsfunksjonen til kameraet ditt, vurder bildet ditt og bestem hva som kan være bedre.

Ta deretter noen flere skudd.

Selv om han ikke er fotograf og ikke snakker om kunstlandskapsfotografering, tilbyr den berømte hockeyspilleren Wayne Gretsky fremdeles råd som fotografer vil gjøre det bra å huske:

Du savner 100 prosent av skuddene du aldri tar.

Wayne Gretsky

3. Øv på previsualisering

Du vil vite at ferdighetene dine vokser som fotograf når du kan se fotografiet ditt før du til og med ser på søkeren.

Til slutt bør du pre-visualisere det ferdige bildet ditt, ha visjonen, og deretter bare bruke kameraet som et instrument for å fange den visjonen.

Det er en vakker løkke:

Jo mer du fotograferer, jo bedre blir du å se - og jo bedre du blir å se, desto bedre blir fotografiene dine.

Jeg hadde vært på dette stedet mange ganger, og så hadde jeg en god ide om hva jeg ville da jeg dro dit for å lage dette blå timebildet. Jeg hjalp det litt mer med en split-tonet redigering.

"Kameraet er et instrument som lærer folk å se uten kamera."

- Dorothea Lange

Men mens previsualisering er viktig, bør landskapsfotografering i kunst alltid være åpen for serendipity: de uventede øyeblikkene når lyset endrer seg, englene synger, og det mirakuløse vises et kort øyeblikk for deg å fange.

Det har ofte vært tider da jeg har forhåndspriorisert et skudd, ble satt opp og ventet på lyset, bare for å ha noe fantastisk å se bak meg ut av det blå.

Øv deg på å jobbe med kamerakontrollene dine, slik at du, når et slikt øyeblikk inntreffer, kan svare raskt og få skuddet.

Jeg var opptatt med å ta det første skuddet, som var fint og til og med hadde en regnbue. Så snudde jeg meg og det var en ny flott mulighet. Vær alltid klar for det alvorlige øyeblikket.

4. Kunstlandskap er ikke bare monokrom

Google "kunstfotografering", og du vil for det meste se svart / hvitt (monokrome) bilder. På grunn av kanskje sin lange eksistens, så vel som et stort antall tidlige fotografer som svart-hvitt var det eneste alternativet for, kan monokrome fotografier overstige fargebilder i kunstens verden.

Men det er ikke å si at fargebilder ikke kan betraktes som kunstfotografier.

Sirkel tilbake til vår definisjon: Kunstfotografering handler mer om kunstneren / fotografen og deres visjon enn innholdet på fotografiet. Uansett om det er farger eller monokrom, vil den beste måten å skildre en visjon avhenge av produsentens intensjon.

Jeg hadde allerede bestemt at dette bildet av en gammel hake skulle være monokrom da jeg laget det. Du kan se at fargeversjonen bare er ok. Det splittede monokrome bildet illustrerer bedre et kunstbilde.

"Det jeg liker med svart-hvitt-fotografier er at de er mer som å lese boken enn å se filmen."

- Jennifer Price

Husk nå styrkene ved svart-hvitt-fotografering. Uten tilsetning av farger stole monokrome bilder mer på det grunnleggende, "beinene" til et godt bilde: linje, form, form, tone og tekstur.

Svarte og hvite bilder er vanligvis enklere, med større oppmerksomhet mot motivet. Noen ganger kan et monokromt bilde formidle et utseende eller stemning bedre enn fargen.

Jeg liker både farge- og svart-hvitt-versjonene av dette bildet og tror at begge kan klassifiseres som kunstfotografering.

Når du bestemmer om et bilde kan være best i farger eller svart-hvitt, må kunstfotografen komme tilbake til målet og spørre seg selv:

Hvilken versjon formidler best følelsene og visjonen jeg hadde da jeg laget bildet?

Det, og ikke en forestilling om at kunstfotografier alltid er monokrome, skal diktere retningen fotografen tar.

En fordel med monokrom er at det kan komme ned til "beinene" til et godt bilde - linje, form, form, tone og tekstur - mens du fjerner farger som vil distrahere fra det grunnleggende.

5. Ikke vær redd for å endre virkeligheten

Vi snakket om at kunstfotografering handler mindre om en nøyaktig tolkning av et motiv og mer om fotografens følelser og visjon.

Så hvem sier at du ikke kan endre bildet ditt for å bedre formidle disse tingene?

Teknikker som lange lukkertider for å uskarpe objekter i bevegelse og veldig høye lukkerhastigheter for å fryse objekter som beveger seg raskt, er hjemme i kunstfotografering.

Lær hvordan du bruker lange lukkerhastigheter for å ta bilder fra enkle øyeblikksbilder til kunstfotografering.

Så er med vilje uskarpe scener med forsettlig kamerabevegelse (ICM) og bruk av spesielle digitale verktøy for å gi et bilde et "malende" utseende.

Infrarød fotografering eller andre teknikker som skifter farger? Sikker!

Kunst er totalt subjektivt, og det samme er kunstfotografering i kunst.

Hvordan du velger å skildre en scene er din rettighet, hvor den “rette måten” er det som formidler dine følelser og budskap best.

Jeg ønsket å gjøre to ting med dette bildet: Understreke kulden, som jeg gjorde med en hvitbalanse skjevt mot de blå tonene, og understreke den frosne, statiske isen mot strømmen av elven, noe jeg gjorde med lang lukkertid. Bruk kameraet ditt som et verktøy for å fange synet ditt.

"Jeg tror virkelig det er ting ingen ser hvis jeg ikke har fotografert dem."

- Diane Arbus
Gå abstrakt med kunstfotograferingen din og prøv abstrakte bilder. Intensjonell kamerabevegelse (ICM) kan gi deg noen vakre resultater.

6. Eksperimenter med tolkningsredigering

Jeg har lest mye om uttrykket "få det riktig i kameraet", noe jeg både er enig og uenig i. Ja, jeg tror man bør mestre kamerakontrollene deres for å få best mulig eksponering av et bilde mens man er i felten.

Jeg tok dette bildet av Grand Fountain Geyser i Yellowstone nasjonalpark litt tidligere på kvelden. I etterbehandlingen tok jeg fargen mot de kjøligere tonene.

Ja, det er viktig å lage et best mulig bilde i feltet. Aldri skal en redigeringsøkt være et redningsoppdrag der du prøver å overvinne feil som er gjort når du skyter. Å fikse et bilde i Photoshop er et alternativ, men vanligvis ikke bra.

Litt senere på kvelden tok jeg dette andre skuddet, og jeg redigerte det med varmere toner!

Forbedring av et bilde med å unnvike, brenne eller noen av dusinvis av andre redigeringsteknikker er imidlertid merket til en dyktig kunstfotograf. Å bruke redigeringsevner for å ytterligere tolke et bilde, for å formidle følelser og intensjoner, er en del av håndverket.

Folk som liker å skryte av at bildene er uredigerte og rett ut av kameraet, har sannsynligvis aldri studert arbeidet til den kanskje mest anerkjente landskapsfotografen gjennom tidene, Ansel Adams. Han hadde ikke fordelen med digital redigeringsprogramvare for å redigere bildene, men det avskrekket ham ikke.

Ta en titt på noen av hans før- og etterbilder, og du vil undre deg over hvor mye forandring det var mellom det kameraopptakte negative og den endelige utskriften.

Jeg gikk for en Ansel Adams-lignende redigeringsstil med dette bildet av "Moonlight Over the Eastern Sierra."
Hvordan ville jeg gjort det?

7. Sett inn tiden

Landskapsfotografering av kunst er ikke travelt.

Jeg har sett programvareprodusenter som hevder at programmene deres vil tillate deg å jobbe raskere ved hjelp av kunstig intelligens. Selv om disse programmene har kommet langt, er jeg ikke overbevist om at de ennå kan tilsvare kvaliteten på menneskelig intelligens fra gammel skole og en mer forsiktig, men langsommere, redigeringsstil.

Du kan kanskje få noen interessante resultater med en forhåndsinnstilling med ett klikk, men vil det resultere i et bilde som kommuniserer din unike visjon? Hvis du bytter ut en himmel med noe "hermetisert", kan det være mer dramatisk, men er det fortsatt bildet ditt?

Redigering av kunstig intelligens (AI) er på vei inn, men hva er galt med å ta deg tid, bruke menneskelig intelligens og lære å redigere den gamle skolen?

Jeg må også spørre: Hva har det travelt?

Jeg liker å redigere bilder, se hvor jeg kan ta et bilde med noe gjennomtenkt arbeid. Jeg vet at det er de som ikke bryr seg om redigering, og jeg antar at det er greit. Jeg tror bare at den mest nøye utformede kunsten tar tid.

Jeg har brukt slik programvare noen ganger, og det kan du også. Men i stedet for bare å lære triksene i handelen, hva med å bruke tid og krefter på å lære selve faget?

Hvis landskapsfotografering med kunst, som har din egen personlige stil og signaturutseende, er ditt mål, er det ingen snarveier. Forhåndsinnstillinger med ett klikk får bare arbeidet til å se ut som alle andres!

“Når du har lært å bry deg, kan du ta opp bilder med tankene dine eller på film. Det er ingen forskjell mellom de to. ”

- Anonym

8. Se (k) lyset

Jeg liker forskjellige typer fotografering, fra stilleben til makro og makrofotografering til flashbelyst arbeid og spesielt landskap. Det som skiller landskapsfotografering fra mange av disse andre sjangrene er belysningen, graden av kontroll fotografen har over scenen, og det enkle å skape ønsket utseende.

Jeg kan forhåndsutse det utseendet jeg ønsker for en stillbildebilde på en bordplate, sette den opp på kjøkkenbenken, tenne den, gjøre justeringer og justere til jeg får det bildet jeg liker.

Ikke slik for landskapsfotografering.

I stedet må jeg reise til området jeg vil fotografere, være der når været er samarbeidsvillig, lyset er riktig, løvet er i sesong, og alt annet (ikke noe av det som er i min kontroll) kommer sammen. Hvis det noen gang gjør det.

Men dette er også gleden ved kunstkunst landskapsfotografering.

Noen ganger må du bare vente … og vente … og vente litt til. Det hadde vært overskyet hele dagen, men bare noen få øyeblikk før solnedgangen, da solen nærmet seg horisonten, brøt himmelen ut med dette unike lyset. Jeg elsker stemningen til dette Oregon-kysten.

Det kan bety at du sitter tålmodig i chillingen før daggry, og håper skyene kommer akkurat inn og soloppgangen treffer akkurat så. Du kan vandre miles for å komme til den som overser for en solnedgang som aldri kommer, eller bli heldig og få en plutselig tordenvær inn over kløften med dramatiske skyer og lyn.

Mangelen på kontroll er en del av tiltrekningen av landskapsfotografering, kunnskapen som flaks egentlig er når forberedelse møter mulighet.

"Mitt liv er formet av det presserende behovet for å vandre og observere, og kameraet mitt er passet mitt."

- Steve McCurry

Så hvis du vil være en flott kunstfotograf, må du jobbe med det. Du må ofre litt, stå opp før soloppgang, holde deg godt etter at solen har gått ned, vandre inn på vanskelige steder, søke steder som fotografene aldri vil se, og forsøke å være annerledes med bildene dine, og fanger ikke bare det du skjønner, men hva du føler.

En stormfull, humørfull himmel og et underlig, vridd tre som strekker seg etter lyset. Jeg liker følelsen av dette skuddet, som jeg kaller "Skapningen stiger."

9. Skyte til et tema

Noen ganger er en god måte å stimulere dine kreative juice på å skyte til et tema. I stedet for å bare ta tak i utstyret ditt og dra til et sted for å ta litt landskapsfotografering med det du ser, bestem deg for at du skal gjøre at alle bildene dine passer til et tema.

Beskriv et konsept visuelt, eller lag bilder som om du gjorde en artikkel om et sted eller et enkelt emne. Bruk deretter det "visuelle vokabularet" som er fotografiene dine for å beskrive og definere emnet.

Legg til din egen stil som en kunstnerisk kunstfotograf for å finne ut hva du vil seeren din skal vite og føle om motivet ditt.

Jeg liker den rolige følelsen av disse fallne høstbladene som flyter i det stille, mørke vannet i en elvevirvel. Jeg brukte over en time på å jobbe med dette temaet og lage mange bilder.

"Hele poenget med å ta bilder er slik at du ikke trenger å forklare ting med ord."

- Elliott Erwitt

10. Utskriften er forestillingen

I dag blir sannsynligvis de fleste bilder som er laget, aldri skrevet ut. I stedet blir de bare sett på skjermer eller LCD-skjermer, og noen ganger projisert. I filmdagene hadde fotografer ingen slike muligheter. Etter å ha filmet og utviklet filmen, var de bare halvveis i å kunne vise fotografiet sitt til seerne. Utskrift var obligatorisk.

Ansel Adams så på det slik:

Det negative tilsvarer komponistens poengsum, og utskriften forestillingen.

- Ansel Adams

Når jeg diskuterer kunstfotografering, må jeg reise spørsmålet:

Kan et fotografi vurderes fin kunst hvis den bare vises på en skjerm og aldri skrives ut?

Hvis du i det hele tatt har brukt noe tid i et fotogalleri og nøye sett på trykte fotografier, vil du vite at det ikke er noen sammenligning mellom å se et utskrevet fotografi og å se det samme bildet på en skjerm. Utskrifter kan gjengi så mye mer detalj, farge og tone.

Selv typen og teksturen på papiret eller annet underlag som fotografiet skrives ut på, kan utgjøre en enorm forskjell.

Til slutt, når du ser fotografier på en skjerm, produseres lyset av selve skjermen, mens når du ser på en utskrift, reflekteres lyset. Det endrer måten du ser på skuddet.

Dette er et fint bilde på skjermen, men for å virkelig sette pris på det, må du se en utskrift. Avhengig av papirtype, eller til og med som et trykk på akryl eller aluminium, ville det virkelig komme til å virke.

Så å gjenta spørsmålet mitt på en annen måte:

Må et fotografi skrives ut for å bli vurdert fin kunst?

Jeg kan argumentere for begge sider, men jeg må innrømme at jeg er en stor forkjemper for utskrift. Ja, å lære å lage gode utskrifter selv er en helt annen ferdighet, og ikke en enkel å lære. Bare det å få fargen og lysstyrken på et utskrevet bilde til å tilnærmet matche det du ser på skjermen, er en utfordring.

Men jeg vil hevde at det å lære å trykke er en del av det fotografiske håndverket.

Du kan også velge å avlevere bildene dine til en profesjonell skriver som har spesialitet i å vite hvordan du får mest mulig ut av bildet ditt. Det er også greit. Jeg antar poenget mitt er at forskjellen mellom et trykt kunstlandskapsfoto og det samme bildet som vises på en skjerm er nesten like stor som forskjellen mellom å gå på konsert og bare se på TV.

“Kunsttrykk laget av kunstneren, eller kunstnerens samarbeidspartner, er viktige fordi de best representerer kunstnerens visjon. Bilder som vises på digitale enheter er underlagt den ikke-ensartede karakteren til forskjellige skjermer, og de kan virke radikalt forskjellige enn kunstneren hadde til hensikt. ”

- Mac Holbert

11. Bildene dine handler om deg

Det du ser, hva som tiltrekker deg øyet og kameraet ditt, og hvordan du velger å tolke et motiv, sier mye om deg.

Selv om du ikke bevisst har definert en "fotografisk visjon" for deg selv, er sjansen stor for at hvis du går gjennom arkivene dine, vil du kunne identifisere fellestrekk i arbeidet ditt.

Forhåpentligvis vil du ha utviklet et klassifiseringssystem (kanskje fargekoding eller stjernerangering som det kan gjøres i Lightroom) slik at du kan bestemme hvilke bilder du anser som favorittene dine. Ta deg tid til å se gjennom de beste bildene dine, og kanskje noter deg hvordan du definerer stiler, funksjoner eller teknikker.

Hva gjør du konsekvent som fungerer, og hvilken signaturstil har du?

"Bare fotografer det du elsker."

- Tim Walker
Forhåndsskuddet til venstre krevde skjelving i en kald morgenfjell. Tåken hang lavt over Little Redfish Lake i Idaho. I skuddet til høyre kjenner jeg fremdeles den skarpe høstluften og lyden av de raslende bladene i ospelunden. Forhåpentligvis vil en seer få en viss følelse av de øyeblikkene i bildene mine.

Fokuser spesielt på landskapsbildene dine og se etter fellestrekk. Hva har fungert bra? Hva har ikke fungert? Hvordan kan du finne måter å bygge videre på suksessene dine, og i tillegg definere og utvikle din personlige stil, slik at bildene dine kommuniserer med seeren din?

"Vi lager bilder for å forstå hva våre liv betyr for oss."

- Ralph Hattersley

Når du vurderer temaet for kunstlandskapsfotografering, kan du spørre: «Er arbeidet mitt oppfyllende? Er jeg god nok til at fotografiene mine kan betraktes som kunst? Hører jeg hjemme i eliteklubben til kunstfotografer? ”

Jeg vil foreslå at det som utgjør et kunstkunstfoto handler mindre om bildekvaliteten, og mye mer om at fotografens suksess kommuniserer noe til betrakteren.

Jeg kjenner bakhistorien bak dette bildet, men det gjør du ikke som betrakter. Snakker dette bildet til deg? Hva står det? Hva tenker og føler du når du ser det? Gode ​​bilder snakker til betrakteren.

“Gode fotografier er som gode vitser. Hvis du må forklare dem, er de ikke veldig gode. "

Anonym

Hvis du vil lykkes med kunstfotografering, eller annen sjanger av fotografering, for den saks skyld, lær bildene dine å snakke for seg selv. Hvis de ble vist i et galleri uten at du var der for å si et ord, hva ville de si til en seer? Hva ville en person føle når han ser på dem?

Ja, et bilde kan være verdt 1000 ord, kanskje mer. Men det må snakke for seg selv!

Landskapsfoto av kunst: Konklusjon

Nå som du er ferdig med denne artikkelen, vet du alt om landskapskunst i kunst.

Og du vet hvordan du lager noen vakre landskapsbilder av kunst!

Så kom deg ut og skyt. De beste ønsker i dine fotografiske bestrebelser!

Den kaldblå ​​av en Idaho-vinterdag med bare en rødpopp på en fjern låve. Denne sier mye om meg, hvor jeg bor, hva jeg elsker, hvilke bilder jeg liker å lage. Hva sier bildene dine om deg?

Ofte stilte spørsmål om kunstfotografering

Hva er kunstfotografering?

Denne Wikipedia-beskrivelsen oppsummerer det pent: “Fine art photography is photography created in line with the vision of the fotograf as artist, using photography as a medium for creative expression. Målet med kunstfotografering er å uttrykke en idé, et budskap eller en følelse. ”

Må et bilde være svart og hvitt for å bli betraktet som et kunstfoto?

Selv om mange fotografer velger å bruke svart-hvitt når de lager landskapsbilder av kunst, og mens tradisjonelle bilder ble laget på den måten, er det ikke et krav. Fotografen bør velge hvilken fremstilling som best formidler deres intensjon for bildet.

Hvordan kan previsualisering hjelpe meg med å lage kunstfotografier?

Gode ​​bilder blir laget i tankene, og kameraet blir da et verktøy for å fange det fotografen allerede har "sett."

Må et fotografi skrives ut for å bli betraktet som "kunst?"

Nei, men en utskrift kan gjøre mye mer for å formidle fotografens budskap til betrakteren som et håndgripelig, fysisk objekt med mye større subtilitet i farger, tone og høyere oppløsning. Videre, mens hver skjermenhet vil påvirke hvordan bildet blir sett, beholder en utskrift utseendet på bildet slik fotografen hadde til hensikt. Trykking er også en del av kunsten og håndverket av fotografering.

Hvis du bare kunne gi ett tips om å lage kunstfotografier, hva ville det være?

Bestem hva du vil at seeren skal se, tenke og føle når du ser på bildet ditt, og fylle inn fotografiet ditt med de egenskapene slik at det kan snakke alene til betrakteren.