Dette innlegget om forbedring av kontrasten i digitale bilder ble levert av Leeroy Gribbon hvis fotoblogg ( www.decoy.co.nz ) vi presenterte nylig her på DPS som Ukens fotoblogg.
Jeg er en sucker for god kontrast på et bilde. Siden jeg hovedsakelig liker å dykke i monokromt arbeid, er kontrast for meg sovetoget - bare komposisjon. Uansett om du tar svarte og hvite fotografier eller farger, tar dem av katten din eller av krigssoner, føler jeg litt kontrast går langt for å få et bilde til å bli levende. Så la oss undersøke sammen akkurat hva kontrast er, og hvordan vi kan få det ut i vårt arbeid.
Få flere tips som dette ved å abonnere på Digital Photography School
Hva er kontrast?
Kontrast er ganske enkelt mengden forskjell mellom tonene i et bilde. For å se dette konseptet i aksjon for deg selv, fyr opp Photoshop og åpne et bilde. Åpne 'Kanaler' -paletten (Vis -> Kanaler) og klikk på den røde, grønne eller blå kanalen. Du vil nå se en svart-hvitt-fremstilling av bildet ditt. Åpne nivåer, og trekk den svarte glidebryteren til høyre litt, og den hvite glidebryteren litt til venstre. Bildet vil endre seg i tone. Effektivt, hva nivåjusteringen nettopp har gjort, er å skyve mørkegrå piksler mot svart og lysegrå piksler mot hvitt, dvs. at forskjellen (eller spalten) mellom tonen i en mørk grå piksel og en lysegrå piksel har økt - Gratulerer, du har nettopp økt kontrasten …
Når du trekker den svarte glidebryteren mer og mer mot høyre, og den hvite glidebryteren til venstre, vil du legge merke til at flere av de lyse tonene blir blåst til ren hvit, og de mørkere tonene til ren svart - skygge og fremheve detaljer i bildene dine begynner å bli ofret til fordel for økende kontrast. Den 'ideelle' balansen mellom kontrast og detaljer avhenger av typen fotografert motiv, belysningen som brukes, og også stemningen og følelsen du ønsker å formidle i bildet ditt: Det som kan være en god anvendelse av kontrast til ett bilde, kan være katastrofalt for en annen. Et kreativt blikk og erfaring er nødvendig for å bestemme dette, og den beste måten å få disse er å øve!
Det er ikke målet med denne artikkelen å hjelpe deg med denne subjektive delen av prosessen. Snarere vil jeg presentere flere metoder og teknikker for å forbedre kontrasten som jeg personlig bruker regelmessig.
Før vi begynner, en advarsel:
Første ting først
Så fantastisk som Photoshop eller en hvilken som helst bilderedigeringsprogramvare, er utdataene du får så gode som inngangen du gir den. Det kan få et stygt bilde til å se bedre ut, men det vil aldri få det til å se bra ut. Dette gjelder like for kontrast som for alle andre aspekter av et bilde. Du bør se på etterbehandling som å bringe frem den godheten som allerede ligger i de fangede bildene dine - omtrent som polering forbedrer den latente skjønnheten til en diamant. Vær spesielt forsiktig med å prøve å få alt riktig i kameraet, og de bearbeidede bildene dine vil være så mye mer imponerende, garanterer jeg!
Og en siste ting, sørg for at du redigerer alle bildene dine i 16-biters fargedybde.
1. Kurver og masker er dine beste venner
Kurver er kanskje det kraftigste og mest nyttige redigeringsverktøyet vi har til rådighet. Når du kombinerer kurver med masker, er det som å blande peanøttsmør og honning sammen på toast - du får en slags gal supergodhet større enn summen av delene. Hvis du mestrer bare to aspekter av bilderedigering, bør det være kurver og maskering. Jeg vil ikke gå inn på hvordan kurver og masker fungerer, da det er hundrevis av artikler på nettet som forklarer dem mye bedre enn jeg noen gang kunne. Så hvis du ennå ikke har fått tak i kurver og masker, gjør deg selv en tjeneste og hold deg sammen med din gode venn Google i noen timer. Eller hvis du føler deg lat, sjekk disse lenkene jeg fant for deg:
Kurver: http://www.cambridgeincolour.com/tutorials/photoshop-curves.htm
Masker: http://www.lunacore.com/photoshop/tutorials/tut003.htm
Når du vet hvordan du lager en gjennomsnittlig kurve og maler en rettferdig maske, hvordan samler du de to konseptene? La oss se på et eksempel:
Det første bildet (over) viser en grunnleggende konvertering av svart-hvitt av et bilde jeg tok.
Det andre bildet (over) viser effekten av å bruke en enkelt kurve på bildet.
Jeg har prøvd mitt beste for å imøtekomme alle tonene som er til stede, men fordi himmelen er så lys og vannet er mye mørkere, til og med med skillekraften til kurver hvis jeg prøver å presse på for en mørkere himmel, ender jeg opp med å gjøre vannet også grumsete og mørke, og himmelen ikke så mørk som jeg vil ha den. Kysten overlater også litt å være ønsket.
Løsningen er å lage en kurve for himmelen, en annen for vannet og kanskje en annen for kysten, og deretter maskere dem inn på riktig måte.
Selv om dette høres komplisert og arbeidskrevende ut, tar det meg vanligvis bare to minutter. Gradientverktøyet kommer absolutt til nytte for å maskere himmel, og hvis du har en penn, blir maskering nesten hyggelig.
Du kan se resultatene av kurver og maskering sammen i det tredje bildet (over).
For mitt øye er dette mye bedre enn det andre: Skyene har blitt mer markante og dramatiske. likevel beholder vannet teksturen, og du kan se forskjellen i kysten mellom den lysere sanden og de mørkeste rullesteinene.
Du kan se det ferdige bildet her.
Dette er en veldig kraftig metode, og det kan være alt du trenger for å gjøre kontrastjusteringer. Det kan ta litt tid å bli komfortabel med prosessen, men å sette deg tid til å lære tauene vil gi utbytte på bildene dine.
2. Dodging og Burning Like a Fox
Dodging og forbrenning er en teknikk som overføres fra mørkedager. I motsetning til motstykket til mørkerommet, er digital unnvike og brenning en mindre frustrerende og mer imøtekommende prosess. Du har kanskje lest om teknikken før, men for fullstendighets skyld vil jeg gjenta:
1. Hold Alt og klikk på 'Nytt lag' -knappen på Lag-paletten.
2. Endre blandemodus til 'Overlay' og klikk i boksen 'Fill with Overlay-neutral color'.
3. Dupliser dette laget, og navngi den ene 'Burn' og den andre 'Dodge'.
Bruk en pensel med lav opasitet (5-15%) med svart på 'Burn' -laget for å gjøre ting mørkere, og med hvitt på 'Dodge-laget' for å lette ting - noe som øker kontrasten effektivt. Når vi maler på lag, er denne effekten ikke ødeleggende for originalbildet. Hvis du gjør en feil, kan du bruke 50% grå for å male feilen.
Ovennevnte kan være gamle nyheter for deg, men her er nøkkelpunktet: Dodging og brenning vil bare bidra til å overdrive toneforskjeller som allerede er tilstede i bildet, det kan ikke lage noe ut av ingenting. Det vil si at du ikke kan unnvike en svart katthvit, og du kan ikke brenne solen svart. Trikset er å undersøke bildet ditt, identifisere den lysere og mørkere delen av bildet ditt og hvor de møtes, så unnvike og brenne intelligent for å få disse forskjellene ut.
La oss se på et annet eksempel.
Det første bildet har noen grunnleggende justeringer gjort til det, men jeg vil virkelig få frem lysspillet på disse steinene. Jeg lager mine unnvikende / brennende lag, deretter bruker jeg en myk 10% opasitetsbørste, jeg maler svart på de mørke sprekkene og krokene på klippene, og hvite på toppene og kantene som er utsatt for lyset. Jeg vil ha en ganske overdrevet effekt, så jeg gir den kanskje fem-seks passeringer med børsten.
2. Velg det nye laget og åpne Unsharp Mask-filteret.
3. Sett beløpet til 20, radiusen til 50 og terskelen til 0.
4. Endre lagstilen til “Luminosity” for å forhindre fargeskift.
5. Trekk lagets opasitet ned for å passe og / eller legg til en maske for å lokalisere effekten.
Du kan eksperimentere med filterinnstillingene hvis du vil, men jeg synes det er mye lettere å la dem være som de er, og endre styrken ved lagdekking og / eller maskering. Forsikre deg om at du ser endringene med 25%, 50% eller 100% forstørrelse. Ved ulike prosenter som 33% eller 66%, bruker Photoshop merkelig interpolasjon som vil skjule forvrenger effekten.
Sørg for å bruke denne teknikken sparsomt, da styrken gjør det enkelt å skape et altfor dramatisk utseende. Også fordi vi bruker Unsharp Mask, må du passe på å haloing på 'skarpe' overgangskanter, for eksempel fra et mørkt fjell til en lys himmel.
Det er også en utmerket teknikk å bruke på portretter for å få frem "snap" i øynene og ansiktsfunksjonene. Bare bruk en maske, da det ellers vil overdrive rynker og andre ufullkommenheter. Du kan se forskjellen denne teknikken gjør ved å sammenligne de to bildene nedenfor. Den første er originalen, og den andre har innstillingene ovenfor brukt. Jeg vil senere maskere denne effekten for å holde den isolert mot ansiktet og hendene på motivet.
Du kan se det ferdige bildet her.
4. Bruke Apply Image
‘Apply Image 'er en lite kjent, men kraftig funksjon som vi kan bruke til å justere kontrasten. I utgangspunktet vil Apply Image ta et lag eller lag, og bruke det tilbake på hovedbildet med ditt valg av blandingsmodus. Det er verdt å eksperimentere med. En av mine favorittmåter å bruke den på er:
1. Flate bildet ditt.
2. Gå til Rediger -> Konverter til profil -> LAB-farge.
3. Dupliser bakgrunnslaget.
4. Gå til Bilde -> Bruk bilde.
5. Velg Lightness Channel, Soft Light, 100% Opacity, og la de to avmerkingsboksene være i fred. Du får et funky rosa og blått bilde.
6. Endre lagets blandemodus til Lysstyrke for å fjerne disse sprø fargene, men bevare toneforandringene.
7. Juster lagets opasitet etter smak og / eller bruk en maske for å lokalisere effekten.
8. Ikke glem å konvertere tilbake til RGB-farge når du er ferdig.
Du kan også bruke denne metoden for å forbedre fargen ved å følge trinnene ovenfor, men erstatte 'Lightness' -kanalen med enten a- eller b LAB-fargekanalen. Standardinnstillingen vil gi ganske tøffe resultater, så husk å tone ned opasiteten.
Følgende to bilder viser resultatet av bruk av kommandoen Bruk bilde med LAB 'Lightness' -kanalen:
Du kan se det ferdige bildet her.
5. Selektiv farge er isingen på kaken
Denne siste metoden er ideell for siste finjustering av kontrasten etter at noen av metodene ovenfor er blitt brukt. Det er spesielt nyttig for svarte og hvite bilder, men ikke vær redd for å prøve det også på fargearbeidet.
Instruksjonene er enkle:
1. Klikk på ikonet ‘Nytt justeringslag’ på lagpaletten.
2. Velg ‘Selektiv farge’.
3. I rullegardinlisten Farge velger du 'Hvite'.
4. Flytt den svarte glidebryteren slik at den passer.
5. Gjenta med ‘Neutrals’ og ‘Blacks’.
Jeg kommer ofte til å støte 'svarte' opp + 1-5% for å få litt slag i skyggen. ‘Nøytralene’ kan skyves + 5-20% for å kvitte seg med mørke toner. De 'hvite' er nyttige for å gjenopprette små blåste hvite områder som solbelyst himmel, ved å skyve den + 30-40%. Alternativt kan du skyve noen off-white toner opp ved å trekke glidebryteren til -20-40%.
I tillegg er det mulig å skille 'Blacks', 'Neutrals' og 'Whites i separate justeringslag hvis du finner dem forstyrrer hverandre, dvs. har tre' Selective Color 'justeringslag stablet oppå hverandre.
Det var alt folkens
Jeg håper denne artikkelen har gitt deg noen ideer om hvordan du kan gå frem for å justere kontrasten for ditt eget arbeid. Som et siste ord, kanskje noen av disse teknikkene ikke gir resultater så dramatiske som du hadde håpet. Dessverre er det som de fleste ting i livet ingen ‘magisk kule’ når det gjelder kontrastforbedring i etterbehandling. Sjelden vil jeg bare bruke en av disse metodene - skjønnheten ligger i deres evne til å bli stablet oppå hverandre, bygge opp kontrast og ‘snap’ gradvis. Eksperimenter med hver av dem, lær fordelene og begrensningene til hver. og gjør dem til dine egne. Øvelse og eksperimentering er de beste måtene å lære nye ferdigheter på.
Hvis du har spørsmål om denne artikkelen eller noe relatert til fotografering, kan du gjerne sende meg en e-post. Du finner kontakt-e-postadressen på nettstedet mitt.
Lee Gribbon
http://www.decoy.co.nz