I dette innlegget snakker Nyani Quarmyne om å få skuddet - fange det øyeblikket i et show som fanger essensen til en utøver og den følelsen de uttrykker.
Mye av det jeg har sett skrevet på konsertfotografering, sentrerer om utstyr og de tekniske aspektene ved skyting (det er en rekke gode tips på dette nettstedet). Selvfølgelig er utstyr og teknisk kunnskap viktig, og jeg kommer inn på et par viktige punkter. Men det er andre like viktige, mer esoteriske konsepter i hjertet av scenefotografering.
1. Få eksponeringen riktig
Scenebelysning kan være vanskelig, så du må få eksponeringen riktig, ellers vil du avslutte med vakkert sammensatte skitbilder.
Evaluerende måling kan ikke stole på i høykontrast og varierende lysforhold som vanligvis finnes på en konsertscene. Spotmåling av motivet ditt eller en mellomtone kan være nyttig, men når du har sterke lys i bakgrunnen, kan det resultere i et korrekt eksponert motiv og stygge blåste høydepunkter i bakgrunnen. Den optimale eksponeringen er ofte noe kompromiss, så jeg personlig foretrekker å la kameraet være satt til evaluering / matrisemåling og deretter få en følelse av hvor mye over- eller undereksponering som trengs for forskjellige deler av scenen gjennom estimering og noe prøving og feiling. Med praksis begynner du å anslå de riktige innstillingene.
Du tar vanligvis vidåpne bilder, bortsett fra når du kanskje må stoppe for å få flere motiver på forskjellige avstander fra kameraet i fokus, så ofte er det lukkerhastigheten og ISO-en du vil spille med. Når du har en følelse av hvor mye over- eller undereksponering som trengs, kan du variere blenderåpningen / ISO / lukkerhastighetsforholdet mens du holder den optimale eksponeringen i tankene. Si for eksempel at du får skarpe, korrekt eksponerte bilder av en gitarist på 125 / s, f / 2.8 @ ISO200. Så blir en sanger med ham i rammen. Du trenger litt mer dybdeskarphet for å holde dem begge i fokus, slik at du lar lukkerhastigheten være slik den er for å holde skuddene dine, stoppe ned to stopp til f / 5.6 for å øke dybdeskarpheten og heve ISO to stopper fra ISO200 til ISO800. Eksponeringen din er identisk, men nå har du dybdeskarpheten du trenger. Bare husk å evaluere eksponeringen når du tar et annet område av scenen, eller når lysforholdene endres.
Et kamera som gir rom for rene ISO-bilder er en stor fordel, ettersom høyere ISO-innstillinger lar deg holde lukkerhastigheten relativt høy, reduserer kamerarystelser og bedre, slik at du kan fryse handlingen.
2. Bruk histogrammet ditt!
Forhåndsvisning av søkeren er for liten til å gi deg et tilstrekkelig detaljert bilde av over- og undereksponerte områder av bildet ditt. Høydepunktsvisningen viser deg hvor du har mistet detaljene i høydepunktet, men det viser deg ikke hva du kanskje utilsiktet har ofret i skyggene. Så hvis du ikke allerede gjør det, kan du lære å bruke histogrammet ditt - det er et uvurderlig verktøy for å evaluere eksponering, spesielt under vanskelige lysforhold. Jeg har kameraet mitt satt opp slik at ved å trykke på midtknappen på 4-veisnavigatoren blinker et histogram i fullskjerm. På den måten kan jeg bruke forhåndsvisningen min til å sjekke skarphet og fokus, og deretter trykke på midtknappen for å gjøre en rask histogramkontroll før jeg går tilbake til fotografering.
Ikke besett av å sjekke bildene dine - hvis du ser på skjermen din, savner du det som skjer på scenen. Gjør nok sjekker for å finjustere innstillingene for et gitt sett med lysforhold, og fokuser deretter på fotografering.
3. Se på utøverne
Nå som eksponeringen er sortert, se på utøverne. Nei, jeg mener virkelig se på utøverne. Analyser ytelsen deres. Hvordan beveger de seg på scenen? Hvor er favorittstedene deres å stå? Hva er deres egenheter? Ansiktsuttrykk? Favorittstillinger? Signatur beveger seg? Hvordan uttrykker de følelser? Det tar ikke lang tid - bare se en stund når et band har slått seg, og du vil begynne å se at hver utøver har lite vanlige bevegelser, ansiktsuttrykk, individuelle særegenheter, som er unike. Å identifisere disse er nøkkelen til å fange en sangeres eller spilleres individualitet og uttrykksevne. Hvis du har muligheten til å se flere forestillinger av den samme artisten, kan du også oppdage at det er hendelser som skjer på bestemte punkter i et sett - pyroteknikk, et sprang fra en høyttalerstabel, oppføring av en scenestøtte - og du kan planlegge for disse også.
4. Forutse
Når du vet hva du leter etter, kan du forvente det. Hvis du har lagt merke til at en gitarist bøyer seg på en bestemt måte under følelsesmessige øyeblikk i soloene sine, forutse det, komponere for det, og vær klar når øyeblikket kommer. Hvis en sanger lener seg bort fra miken på en bestemt måte under sjelfulle pauser mellom sanglinjene, visualiserer du skuddet ditt, blir satt opp for det og utfører det når elementene kommer sammen. Selvfølgelig må du også være klar til å reagere øyeblikkelig for å fange et spontant øyeblikk.
5. Komponer for skjema
Mennesker, instrumenter, gjenstander på scenen og til og med gløden av scenelys skaper former og linjer i rammen. De vakre linjene til en gitar ser for eksempel generelt bedre ut fra noen vinkler enn andre, i likhet med de kombinerte linjene til gitaren og spilleren. Prøv å se figurene som elementene i søkeren din lager, og bruk dem i komposisjonene dine. Ta hensyn til ting som om en sanger holder mikrofonen i høyre eller venstre hånd, om en gitarist spiller en høyre- eller venstrehendt gitar, og beveg deg deretter for å posisjonere deg selv for å få de rette vinklene for skuddene dine.
Arbeid med scenelysene - beveg deg rundt og bruk dem til å felle lys, sidelys eller silhuette motivet ditt. Hvis det lyser bakgrunnslys inn i linsen, kan du se om du kan få blusset til å fungere for deg.
6. Se etter forgrunnen
En av utfordringene med konsertfotografering er rotet som vanligvis finnes på en konsertscene - mikrofoner og stativene deres, skjermhøyttalere, forsterkere, kabler og til og med roving videografer. Rot ødelegger skuddene dine. Prøv å posisjonere deg for å få bilder som er så tydelige for slike forstyrrelser som mulig. Spesielt må du se etter mikrofoner som tilslører en sangeres ansikt (spesielt munnen deres), og se etter skyggemikrofonene som kastes. Unngå generelt å stå rett foran en sanger, da du oftere vil ende opp med en mikrofon der munnen skal være. Trommeslagere er spesielt vanskelige å få rene bilder av, da de er omgitt av alle slags ‘hardware’ og vanligvis også er langt tilbake på scenen. Prøv å få bilder av dem fra siden hvis du kan.
7. Se etter bakgrunnsrus også!
Perth-fotograf Rob Miller liker å si: "Glem emnet, det er bakgrunnen som gjør bildet ditt." Selvfølgelig mener han ikke det bokstavelig talt, men et fantastisk øyeblikk fanget mot en rotete bakgrunn vil til slutt være et rotete skudd, mens et fantastisk øyeblikk fanget mot en fantastisk bakgrunn vil være et fantastisk skudd. Se opp for elementer i bakgrunnen du vil unngå, som scenestillas, lysrigger og til og med andre utøvere, og prøv å komponere for de du kan bruke til din fordel. Husk at du på en godt opplyst scene kan bruke lyset fra scenelys, eller til og med selve lysene, som bakgrunn. Hvis det ikke skjer noe i bakgrunnen, kan du prøve å stille inn eksponeringen slik at motivet blir korrekt eksponert, men bakgrunnen kollapser til svart.
Raske linser hjelper også med bakgrunnsropp, for ikke bare gjør de det mulig å få mest mulig ut av det lyset du har tilgjengelig, men den grunne dybdeskarpheten som produseres av en bred blenderåpning, hjelper til med å tømme bakgrunnsdistraksjoner. Følgelig stoler jeg først og fremst på en 70-200 f / 2.8, en 50mm f / 1.4 for veldig lite lys og for nærbilder i små arenaer eller for å ta inn mer av scenen, og noen ganger en 17-35mm f / 2.8 for nær arbeid og for sceneskudd, publikum og spillested.
8. Vær fin
Husk at mens du prøver å få gjort en jobb, prøver alle andre å glede seg over et show som de har betalt for å se. Vær snill. Tenk på menneskene bak deg - ta bilder, men prøv å ikke blokkere utsikten for lenge. Hvis du er i en mengde og trenger å komme rett i ansiktet på et øyeblikk for å få et skudd, gjør det høflig. Jeg oppdager ofte at hvis du er hyggelig mot mennesker, vil de faktisk hjelpe deg med å få skuddene du trenger ved å oppmuntre andre til å la deg komme dit du trenger å være.
Jeg prøver å unngå bruk av blits da det er distraherende for utøvere og irriterende for menneskene rundt deg (og ofte heller ikke tillatt). Flash kan også se unaturlig ut, da det vanligvis kaster lys av en annen farge til scenelysene på motivet ditt. Unntaket fra no flash-regelen er når jeg trenger å løfte skygger over øynene til en utøver, for eksempel når noen har hatt på seg.
Jeg sørger også for at autofokushjelpestrålen på kameraet mitt er av, slik at det ikke peker utøvere i øyet, og jeg slår av forhåndsvisningen av søkeren, slik at den ikke blinker for folk rundt meg. (Dette stopper også folk som kraner over skuldrene for å sjekke ut virksomheten din.) Det er enkelt å trykke "Spill" nå og da når du trenger å sjekke et skudd. Hvis kameraet ditt tillater det, kan du opprette en tilpasset innstillingsprofil slik at du kan stille inn kameraet slik du vil ha det med et par knappetrykk, i stedet for å måtte vandre gjennom menyene hver gang du trenger å bli satt opp.
9. Vis din påskjønnelse
Alle på scenen liker å vite at de blir verdsatt. Vis din takknemlighet. Du trenger ikke å hoppe opp og ned og skrike (det er vanskelig å ta stødige skudd mens du hopper og skriker …), men ta øyekontakt, vis din takknemlighet med et smil, gi et takknikk når en utøver ser ned på linsen . Noen ganger vil du finne litt takknemlighet tjener deg til din egen lille mini-ytelse, når en utøver går over til der du står, ser ned på objektivet og trekker noen trekk bare for deg.
Nyani er en ghanesisk / filippinsk / australsk fotograf som tilbringer 2009 på reise rundt i Nord-Amerika med familien og jobber med et personlig prosjekt. Finn hans arbeid på nettstedet og bloggen på www.nqphotography.com, og følg familiens reiser på www.YearInAmerica.net.