Tidligere på året mens jeg surfer gjennom en liste over fotografer på Google Plus, kom jeg over et fotografi som fanget oppmerksomheten min. En ung jente med rosenrøde kinn, store store øyne og et seriøst ansiktsuttrykk sto mot en grønn tapetvegg kledd i en lys rød jakke mens hun holdt en bolle med kirsebær.
Bildet var slående på mange nivåer - motivet, fargen, posituren, stilen på bildet og hva det fremkalte på et følelsesmessig nivå, fikk meg til å se to ganger.
Fotografen var Bill Gekas, og et raskt blikk gjennom resten av arbeidet avslørte noen vakre bilder med en tydelig stil og oppmerksomhet på detaljer.
I dag er jeg spent på å presentere et intervju med Bill Gekas, samt noen av hans vakre bilder. Bill bor i Melbourne Australia. Sjekk ut mer av hans arbeid på nettstedet og bloggen hans. Koble til ham på Twitter og Google+.
Bill - kan du fortelle oss litt om overgangen din fra film til digital fotografering? Når og hvorfor gjorde du bryteren?
Overgangen min fra film til digital skjedde i 2005. Frem til da skutt jeg primært både positive og negative 35 mm farger og gjorde min egen utvikling og mørkeromsutskrift fra 35 mm negativ svart-hvitt-film. Så godt som hva tradisjonelle prosesser kan ha vært på det tidspunktet byttet til digital fangst og etterbehandling nettopp åpnet en helt ny verden som virkelig forenklet prosessen i stor grad.
Hvilken innvirkning hadde denne bryteren på arbeidet ditt?
Dette hadde den mest positive innvirkningen på arbeidet mitt der jeg oppdaget at jeg endelig kunne lage bildene i tankene mine uten å bruke tid og penger på å bruke tradisjonelle prosesser! Digital fangst forenklet arbeidsflyten til det punktet hvor verktøyene og arbeidsflyten nå var en gjennomsiktig del av den kreative prosessen og ikke kom i veien, det føltes veldig frigjørende i den forstand og det var veldig velkommen!
Har portretter alltid vært et hovedfokus for fotograferingen din? Hvis ikke - hvorfor er det noe du ser ut til å fokusere så mye på i dag?
Portretter ble min viktigste sjanger omtrent samme tid i 2005. Inntil da skjøt jeg virkelig litt av alt, men etter å ha oppdaget noen fantastiske portrettverk av de store fortidens fotografer, skjønte jeg at motivene i disse velkjente fotografiene var fullstendige. fremmede hadde kontakt med meg, portrettene var uhyggelige, nesten surrealistiske, og det var da jeg visste at det kom til å bli portretter, portretter med en kunstestetikk og en kreativ stil der jeg kunne smelte sammen historiske referanser, det være seg lys, rekvisitter eller atmosfære med en mer moderne samtidsuttrykk fra emnet.
Det siste arbeidet ditt har en veldig tydelig stil. Jeg nøler med å merke en annen fotograferes arbeid, men hvordan beskriver du det?
Denne stilen blir vanligvis definert som kunstportretter, og du vil finne at den mangler de mer oppriktige, vanlige, vanlige smilende uttrykkene av motiver fra moderne portretter som er i mote for tiden av mange portrettstudier. Dette er en mer følelsesladet og kreativ portrettstil som en bestemt type publikum synes er tiltalende.
Kan du snakke litt med oss om hva som har trukket deg til denne stilen med fotografering?
Den emosjonelle, atmosfæriske, nesten surrealistiske naturen til den! Det er den type uttrykk motivet ditt vil gi deg, og som forblir hos deg lenge etter at du har sett på bildet. Jeg tror at portretter kan nå et nivå der vi ikke lenger ser bildet, men faktisk føler det, og dette kommer i hovedsak ned på styrken i forbindelsen mellom motiv og fotograf / betrakter.
Arbeidet ditt synes meg er ganske nøye planlagt. Hvor mye arbeid går med i forberedelsen av fotograferingen din? Hvor kommer ideene fra og hvilke trinn finner du deg i å bevege deg gjennom for å få ideen til å realiseres?
Med denne typen oppsettfotografering tar jeg vanligvis bildet før jeg tar bildet! Hva dette betyr er at bildet allerede er tatt i tankene mine vanligvis dager før, og da er det bare å jobbe med pre-prep. Denne metoden gjør det mulig for meg å få alle aspekter av fotograferingen og etterbehandlingen utarbeidet til det punktet hvor forsknings- og forberedelsestiden kan være 90% av tiden som går med, og de resterende 10% av den faktiske tiden er i selve fotograferingen .
Nøkkelen til å utføre et skudd som dette er å ha det hele planlagt før motivet kommer inn på scenen, belysning, rekvisitter, komposisjon osv. Fra tanke til ferdig etterbehandlet skudd klar til visning, kan et typisk skudd i gjennomsnitt være totalt 8 timer.
Mange av ideene kommer fra min takknemlighet for verkene fra de gamle malermestrene. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez osv. Men jeg synes også jeg får mye inspirasjon fra å se utenlandske filmer der filmscenene spiller en fremtredende rolle. Fusjon av disse verdenene sammen er med på å skape et atmosfærisk portrett.
Selvfølgelig øker enhver film av Jean-Pierre Jeunet også inspirasjon til å lage, og jeg har alltid en notatbok med grove skisser og ideer av meg.
Hvilket kamera og lysutstyr bruker du til en typisk skyting?
For øyeblikket fotograferer jeg med et Pentax K5 dslr-kamera og et utvalg av Pentax prime-objektiver og en 16-45 / 4 zoom. Ingen spesiell grunn til å bruke dette merket annet enn å ha noen gamle linser fra fortiden som jeg fremdeles kan bruke på deres nyeste dslr-kropper.
Kameraposen min er faktisk ganske beskjeden i forhold til belysningsposen min. Belysningen er nøkkelen til mange av verkene mine, og jeg eier mange speedlights, en einstein studio-strobe, lysmodifikatorer, reflektorer, RF-utløsere osv. Det meste av innendørsstudioarbeidet mitt blir vanligvis tent med en 28 ″ softbox som nøkkellys, noen ganger andre blitslys med et rutenett som peker mot bakgrunnen for å tenne det og en hvit reflektor på motsatt side av motivet for å fylle noen skyggeområder.
I en utendørs shoot vil jeg vanligvis bare bruke ett lys modifisert av en sirkulær type modifikator som en mellomstor oktaboks eller skyte gjennom paraplyen. Jeg prøver å komme meg unna med blits på grunn av allsidigheten og vil bare bruke einstein-stroben hvis jeg trenger å overmanne middagssolen.
Kan du dele med oss et bilde du nylig har tatt, og snakke oss gjennom ideen og hvordan du har skutt den?
Red Scarf (over) - Dette bildet er nylig tatt i et utendørs miljø ikke så langt fra der jeg bor. Egentlig er det et lite grus sykkelvei som går ved siden av en bekk. Ideen fra denne filmen kom fra en lignende type scene jeg så ikke lenge før i en film, det var selvfølgelig annerledes, men å være sent på høsten tidlig på vinteren her på den sørlige halvkule ønsket jeg å fremstille sesongen, og dette skulle oppnås bakgrunn og utvalg av drakt.
Den grå jakken og basken måtte koble seg til et element i scenen som grusstien, det varmfargede bladverket skulle skildre sesongen, og det viktigste elementet i scenen er det røde skjerfet som trekker øynene til det interessepunktet som er temaet. Noen ganger er det viktig å bruke sterke farger for å trekke og forankre øynene til det viktigste interessepunktet. Forutsetningen er selvfølgelig at den fungerer i scenen og utfyller de andre tonene uten å se ut av sted.
Teknisk sett er dette et enkelt skudd på f4.0, 1/60-tallet midt på ettermiddagen i full skygge. Brennvidde var 28 mm aps-c, som er omtrent 42 mm på en fullformatsensor. Lyset var bare en enkelt blitslys med 1/4 kraft avfyrt gjennom et hvitt skyte gjennom paraplykamera til høyre.
Ta en titt på mer av Bills arbeid på nettstedet og bloggen hans. Ta kontakt med ham på Twitter og Google+.