Denne kommersielle fotografens søkelys har reklamefotografen Dana Neibert. Før Dana gikk inn i en verden av kommersiell fotografering, var Dana en prisvinnende art director. Han jobber med kunder, inkludert American Express, Four Seasons, Lexus, GM, AT&T, Eli Lilly, Frito Lay, Johnson & Johnson, USTA, Intel og mer. Dana bor i Coronado, California.
Hvordan var det å gå over fra en art director til en fotograf? Var det en enkel eller vanskelig prosess?
Prosessen var ikke like lett eller vanskelig som den var skummel. Jeg etterlot meg en godt betalende jobb med fordeler og tok en gamble på en fotokarriere for å støtte min kone og mine barn. Men det skal også være kjent at jeg ikke bare sluttet med kalkun og deretter tok opp et kamera. Jeg hadde jobbet med en portefølje i flere år, og mot slutten av kunstregisseringen begynte jeg allerede med å få utmerkelser for fotografering, og fikk interesse utenfor arbeidet mitt og bestilte jobber. Jeg jobbet også for en flott kreativ direktør og et reklamebyrå som pleide min nye funnet lidenskap og ville gi meg fri når jeg bestilte en jobb for å skyte den.
Hva blir du visuelt tiltrukket av? Hva ser du etter når du fotograferer?
Jeg elsker å finne virkelige øyeblikk og situasjoner - det viktigste bildet du kan ha i tankene dine om en bestemt situasjon eller hendelse. Og det er også det jeg blir ansatt for å skyte mye. Visuelt liker jeg at ting skal være enkle og grafiske. Jeg er påvirket av Edward Hopper, Norman Rockwell, Richard Diebenkorn og Wayne Thiebaud.
Jeg tar bare det jeg har og prøver å få det til å se så bra ut som jeg kan. På kommersielle jobber har jeg et sett med parametere jeg må holde meg til, men de visuelle ideene og inspirasjonen … Jeg finner vanligvis de tingene når jeg kommer til stedet. På en kommersiell skyting skal vi ut en dag før skytingen og se etter vinkelen vi skal ta, og så begynner jeg å finne den der ute. Mye av tiden har jeg et tomt lerret før jeg kommer dit, og det er da jeg finner det jeg leter etter.
Arbeidet ditt spenner over en rekke kategorier - livsstil, landskap, transport, konseptuell, etc. Har du funnet dette mangfoldet i porteføljen din attraktiv for kunder?
Jeg ser på disse kategoriene mer som bare forskjellige emner. Jeg har en tydelig fargepalett og filmisk måte å komponere bildene mine på, som er det som definerer stilen min. Jeg bruker det bare på en bil eller et par på stranden eller et landskap. Å skille emnene ut på nettstedet hjelper art director å samle det de trenger for en presentasjon.
Når vi sender ut promobiter, blandes alt arbeidet sammen. Jeg tar favorittene mine fra det siste året og samler dem alle sammen. Jeg markedsfører ikke hver seksjon individuelt. Disse seksjonene er nettopp kuratert som en måte å organisere ting på. Det er basert på når vi er involvert i pitcher eller by på jobber, byråer trenger alltid prøver for å vise sine kunder. Etter en stund når folk nærmer seg deg og ber om de samme tingene konsekvent, lager du en del av det.
Hvor viktig tror du personlige prosjekter er for en fotografs vekst?
Personlige prosjekter er enorme for en fotografs vekst både personlig og kommersielt. Stilen din utvikler seg over tid, og det personlige arbeidet er medvirkende til å pleie det. Byrå-reklamer elsker også å se hva du skyter når du ikke er begrenset til et kreativt kort. Det hjelper å få i gang dialoger og åpner nye dører for deg.
Mitt interiørlandskapsprosjekt fascinerer meg akkurat nå. Det er fremdeles et pågående arbeid, og jeg forenkler det med det grunne fokuset, men utforskningen jeg har gått gjennom når jeg skyter innendørslandskapene, hjelper til med å forme alt mitt andre arbeid. Tingene jeg har lært mens jeg gjør det, er alltid i bakhodet, uansett hvor liten eller stor del av et annet skudd den kunnskapen er.
Du har et stort personlig lager nettsted. Hva er fordelene med dette i forhold til å jobbe med et aksjebyrå som Getty eller Jupiter? Hvor viktig er lager for din totale inntekt?
Jeg jobber fortsatt med Getty i tillegg til min personlige aksjeside. Mitt langsiktige mål er å ha nok bilder på mitt eget nettsted til at det blir en levedyktig destinasjon for en art director å søke etter arkivbilder. Akkurat nå har jeg bare omtrent tusen bilder på nettstedet mitt. Jeg tror det ville være en feil å gjøre en stor innsats for å sende en stor mengde mennesker til nettstedet mitt bare for å skuffe dem med et lite utvalg. Når jeg treffer rundt fem tusen bilder, vil jeg begynne å markedsføre nettstedet. Inntil da har jeg Getty hawking noen av bildene mine for meg. Aksjer utgjør en liten del av inntekten min akkurat nå, men det ville være fint å en dag ha bildene mine som bringer inn en større del av inntekten. Åpenbart, når jeg har nok bilder til å kutte Getty ut av bildet, vil jeg få kommisjonen de tar fra meg nå.
Som en tidligere art director, hva var det du så etter hos en fotograf? Hvordan har det påvirket måten du nærmer deg andre AD-er for oppgaver?
Hver annonsekampanje er annerledes enn den neste. Så når du leter etter en fotograf, ser du etter hvilken stil som vil fungere best for konseptet, merkevarekategorien og bestemte klienter. Bare fordi du alltid ønsket å jobbe med en bestemt hotshot-fotograf, betyr ikke alltid at fotografen vil være bra for kampanjen. Som art director har du alltid et mentalt bibliotek som du vil jobbe med og hva de vil være passende for. Du har sannsynligvis også stabler med kampanjer og bokmerkede nettsteder for referanse. Jeg vet at noen kunstkjøpere vil kategorisere nettsteder og kampanjer etter stil før de arkiveres. Så, å vite alt om at du innser at du ikke vil være riktig for hver jobb der ute. Men det betyr fortsatt å konsekvent få arbeidet ditt der, slik at arbeidet ditt blir arkivert i de mentale og fysiske bibliotekene.
Hva er noen suksesser du har hatt med å markedsføre deg selv? Hva ser ut til å fungere best?
Det ser ikke ut til å være sølvkule i å markedsføre deg selv. Jeg skulle ønske det var en ting du kunne gjøre, og at du bare kunne konsentrere all din innsats for den ene tingen. Men snarere er det en samordnet innsats av mange ting som jobber sammen som gir den beste markedsføringsstrategien. Min agent og jeg driver med kampanjer, mailkampanjer, trykte annonser, porteføljeshow, prisutstillinger og sosiale nettverk. Kunstkjøpere og kunstledere er alle forskjellige ved at noen elsker mailede kampanjer, noen hater dem. Noen åpner aldri en e-post, noen lever for dem. Haglestilnærmingen ser ut til å fungere best, da en eller annen ting forhåpentligvis vil bryte gjennom rotet. Hvis et par ting bryter gjennom, forsterker det bare budskapet ditt.
Du har en utrolig imponerende liste over priser. Hvordan har de bidratt til å drive karrieren din?
Prisutstillinger er gode for å flytte karrieren din. Men du må være forsiktig med hvor du bruker startpengene dine og gå inn viser at kunstkjøpere og kunstdirektører vil se. De fleste kunstledere og kunstkjøpere har aldri hørt om PDN og mange av de andre fotograferingsshowene. Hvis du kommer inn på disse forestillingene, vil bare jevnaldrende ringe for å gratulere deg. Det er noen få kunstkjøpere, kunstregissører og fotoredigerere som er fotointeresserte og ser bildet bare viser. Men jeg vil si at 95% av menneskene som ansetter deg ikke gjør det. Du er bedre å delta i viser lignende Kommunikasjon Kunst Foto Årlig - hver kunstdirektør i American CA. Den absolutt beste måten å komme inn i et show er å skyte en kampanje som bare rokker. Noen ganger når et konsept kommer gjennom som er så bra, lar jeg byrået få vite hvor spent jeg er på konseptet, og at jeg vil gjøre alt som trengs for å skyte jobben. Med stort arbeid vil byrået delta i arbeidet i alle reklameshowene, og det vil betale deg tilbake mer enn avgiften din noensinne ville hatt. Mange av jobbene som fikk meg til noen av de store showene, hadde budsjetter, men vi fikk dem til å fungere bare slik at vi kunne være en del av kampanjen.
Hvor ser du deg selv og bransjen som helhet på 10 år? Om 20 år?
Det er så vanskelig å si. Fotografering som medium har endret seg så mye bare de siste 5 årene. Det var omtrent 5 år at alle toppnivåproffene byttet til digital nesten over natt. Alle filmet fremdeles, og så ble plutselig digital validert da fase 1 og Canon virkelig fant ut knekkene. Trykkverdenen virker som den endrer seg hver måned. Det ser ut til at med alt pratet der ute, vil det fortsatt alltid være behov for gode kreative bilder for innhold, enten det vises på et oppslagstavle eller en iPad. Forhåpentligvis gjør jeg fremdeles det jeg liker å lage bilder som folk elsker å se om 10 eller 20 år.
Hvis du kunne gi ett råd til leserne våre, hva ville det være?
Gjør alltid hva lidenskapen din er. Ikke endre stil fordi det er hva månedens smak er. Ikke lag bilder som du ikke liker å gjøre, for da mister du lidenskapen - du kan like godt bli en hedgefondssjef eller risikokapitalist, ettersom du fremdeles ikke liker jobben din, men du vil tjene mye mer penger.
Hvor kan vi høre mer fra deg eller se mer av arbeidet ditt?
www.DanaNeibert.com/new har alltid nytt arbeid med det som jeg bidrar til ukentlig
www.facebook.com/DanaNeibertPhotographs Jeg legger ut mer bak kulissene her
www.twitter.com/DanaNeibert en syndikering av Facebook-siden, men for Twitter-folk
www.bit.ly/DanaNeibertPlus en syndikering av Facebook-siden, men for Google+ folkens