Det fine med fotografering er at det virkelig ikke er noen riktig eller feil måte å ta bilder på (unntatt tekniske problemer med kameraet). Det er et så subjektivt medium - hva noen kan betrakte som et dårlig fotografi, kan andre vurdere kunstnerisk. Det er mange forskjellige fotograferingsstiler. Mørk og humørsyk versus lys og lys, eller HDR og overmettet kontra desaturert og selektiv farging. Og det er mange flere. Men uansett hvilken bildebehandling du foretrekker, vil det sikkert være et marked for den spesielle stilen til fotografering.
Når det er sagt, drar jeg mot bilder som har et rent, naturlig utseende. Min estetiske stil egner seg mot lyse, myke pasteller og lyse bilder som har en følelse av friskhet. Jeg opplever at jeg er mitt mest kreative selv når jeg setter meg i situasjoner som gir meg muligheten til å fotografere på denne måten.
Gi meg et mørkt rom, eller en scene med mange dristige, varme farger og massevis av kontrast, og jeg føler meg mentalt hengende. Jeg begynner nesten å føle meg klaustrofobisk med all den fargen og kontrasten. Nå kan dette kanskje virke litt dumt, men det er min personlige preferanse. Det går også tilbake til min tidligere kommentar om fotografering som en veldig subjektiv kunstform.
Jeg blir spurt ganske ofte om hvordan jeg oppnår dette "lette, pastell og luftige" utseendet på fotografiene mine. Det er ikke så vanskelig. Det koker ned til noen få enkle tips. Disse tipsene vil hjelpe deg med å bedre visualisere det tiltenkte fotografiet ditt, og dermed hjelpe deg med å oppnå det lyse, pastellfarget utseendet.
1. Belysning
Jeg kan ikke understreke nok hvor viktig belysningen er når du bruker den for å oppnå et spesielt utseende for fotograferingen din. Ikke all belysning er lik. Og jeg må si at det ikke er noe slikt lys. Lys er bare annerledes til forskjellige tider på dagen. Noen ganger er lyset perfekt - den varme, myke gløden som oversettes vakkert i bilder. Andre ganger er belysningen hard og sterk. Jeg vil ikke si at den typen belysning alltid er dårlig; det er bare ikke det samme hver gang.
Når du trener blikket for å lese de forskjellige typer lys, og hva lyset kan gjøre med bildene dine, vil du kunne analysere bildene dine bedre. Du får også bilder nærmere stilen du liker uten å kaste bort for mye tid på etterbehandling. Ingen redigering kan virkelig fikse et bilde som er tatt i dårlig belysning.
en. Golden Hour-lys
For utendørs fotografering, hvis du vil ha de varme, kremete tonene, så planlegg fotosessionene så nær solnedgangen som mulig. Den siste timen, Golden Hour, er når du får noe av det beste lyset. Dette er fordi når solen går nærmere horisonten, er lysområdet bredt og sprer seg jevnere.
Denne typen lys egner seg også godt til det lyse, lyse og luftige utseendet som så mange av oss elsker på fotografier. En ting du må være oppmerksom på når du bruker Golden Hour-belysningen (aka fotografering rundt solnedgang), må du sørge for at du ikke fotograferer direkte inn i den nedgående solen. Dette fører til at mye solbluss kommer inn i rammen din. Det kan også gjøre at skuddet virker gjørmete og blåst ut til det punktet at de ikke kan se motivene tydelig, som vist på dette bildet.
Når alt annet mislykkes, kan litt redigering i etterproduksjonen fikse det.
b. Myk morgenlys
Mykt morgenlys er et annet favorittlysskjema for meg fordi lyset er subtilt og mykt. Det pleier å være jevnere enn når solen står høyt oppe på himmelen.
c. Sterkt sollys på dagen
Høytidsbelysning kan sees på som et søkelys rett over hodet på deg. Denne takbelysningen har en tendens til å skape uflatterende skygger. Disse skyggene skyldes vinklene og fremspringene i ansiktet ditt, som nesen og øyenbrynene. Hvis du venter til solen treffer horisonten, vil du bli positivt overrasket over å se hvor myke fargene er og hvor vakker og jevn belysningen er. På denne tiden av dagen kan du åpne blenderåpningen for å glatte ut bakgrunnen.
Noen ganger når du reiser eller tar landskapsbilder, kan du ikke alltid kontrollere reisetiden. Her må du gjøre det beste ut av belysningssituasjonen og fotografere scener som egner seg til det lyse og luftige utseendet når de justeres i etterbehandling.
Jeg la til litt kontrast og tok ned bluesen i etterproduksjonen bare for å holde med stilen min. Jeg har ingenting imot blå himmel, men kanskje ikke så mye blått på bildene mine!
d. Overskyet lys / diffust lys
Denne typen lys er også bra for bilder der du vil ha en jevn tone. Skyene fungerer som en naturlig diffusor og hjelper til med å balansere lyset som faller ned fra solen. Imidlertid har dette lyset en tendens til å være litt flatt. Men den gode nyheten her er at når det er skydekke eller en overskyet himmel, kan du skyte når som helst i løpet av dagen uten å bekymre deg for sterke, sterke skygger.
Denne dagen i marinaen var overskyet med mye skyer. Med tanke på at de fleste av båtene også var hvite, måtte jeg blåse litt ut av himmelen og bruke tilbehør (som den gule kajakken) for å legge til en farge.
e. Bakgrunnsbelysning / åpen skyggebelysning
Den lyse, jevne belysningen i åpen skygge spiller godt inn i den lyse og luftige stilen til fotografering. Å leke med bakgrunnsbelyst sollys er imidlertid en annen måte å få det lyse, friske utseendet. Lette og luftige fotografer skyter bakgrunnsbelysning omtrent 80% av tiden.
Dette betyr at solen er et sted bak motivet. Dette er den vanskelige delen. Det er mer enn bare å ha solen bak motivet. Hvis du bare gjør dette, vil du oppdage at bildene dine har mye solskinn - til tåke - og at kameraets autofokus kan ha problemer med å fange fokus, noe som resulterer i skudd utenfor fokus.
Trikset her er å blokkere solen fra å faktisk treffe objektivet. Min favoritt måte å gjøre dette på er bruk av trær. Grenene og bladene fungerer som en type diffusor som filtrerer solens lysstråler fra å treffe objektivet.
Det du får, kalles kantlys fra motivets bakside. Foran motivet ditt oppnår du et enda usynlig lysskjema. Du må kanskje lete etter en naturlig reflektor for å sprette lyset tilbake på motivets ansikt. Noen ganger er det så enkelt som å ha på seg noe hvitt, slik at du kan fungere som en naturlig reflektor.
Yup, å være fotograf betyr også å være klar over mote- og fargetrender!
Et annet triks er å overeksponere hudtonene med minst et halvt stopp. Høydepunktene dine kan blåse litt ut, men motivets hudfarger vil se bra ut. Selvfølgelig, hvis du har en veldig interessant himmel som du vil beholde, kan du kanskje ikke overeksponere bildet ditt. De fleste lette og luftige stilfotografer er i orden med å blåse ut detaljene på himmelen fordi denne lette overeksponeringen gir seg et lysere bilde som er en del av det lette og luftige utseendet. Hvis bakgrunnen er viktig, må du vurdere det i eksponeringsberegningene.
90% av skuddene mine har blåst ut av himmelen, og jeg er ok med det. Min stil er i samsvar med hva jeg personlig foretrekker med bildene mine. Til hver sin egen.
2. Landskap eller bakgrunn
Personlig føler jeg at landskap eller bakgrunn er like viktig som belysningen for et flott bilde - uansett hvilken stil. Nydelige fjellbakgrunner med høye furutrær vil se mer majestetiske ut enn en rotete bakgård med tilgrodd gress og et sving i skuddet.
Men ikke la en enkel bakgrunn avskrekke deg fra å ta et skudd.
Hvert sted har skjulte skatter, og det er opp til deg som fotograf å oppsøke dem. Jeg har vært kjent for å rydde hjemmet til en klient hvis jeg føler at noen møbler eller rot kommer i veien for skuddet.
På utendørs- og reisebilder venter jeg tålmodig på folkemengder for å rydde hvis jeg føler at alle de andre elementene er der for å gjøre et flott skudd. Etter at du har funnet ut hvor god belysning faller, kan du søke etter det vakre landskapet.
For lette og luftige bilder, se etter bakgrunner som er hvite eller har pastellfarger. Hvite eller lyse bakgrunner gir bildet enda mer "luftighet". Det er vanskelig å oppnå et lyst, lyst utseende hvis du har en mørk eller svart vegg i bakgrunnen.
Husk at både belysning og natur kombinerer en naturlig oppskrift på det "lette og luftige utseendet" som du vil oppnå i bildet ditt.
Når du er i tvil, velg en ren nøytral farget bakgrunn som kan få motivet til å poppe enda mer ved å eliminere distraksjoner.
3. Detaljer
Ofte, som fotografer, pleier vi bare å fokusere på belysning, plassering og motiv. Vi føler at når vi først har disse tre elementene, vil alt annet magisk falle på plass.
Husk imidlertid dette; hver eneste detalj som er en del av rammen er med på å lage eller ødelegge bildet.
Hvis du har det perfekte myke lyset, den perfekte bakgrunnen og det perfekte motivet, men de tilfeldigvis dukket opp i en grafisk t-skjorte med neonsko, så kommer det ikke til å gi deg det lette og luftige bildet! Faktisk spiller detaljer som klær, tilbehør og rekvisitter en stor rolle i det generelle utseendet og følelsen av et bilde.
For mitt portrett- og redaksjonelle arbeid er jeg ikke redd for å sende klær og støttevalg til kundene mine. Det er der for dem å bruke hvis de trenger det. Dette gir dem en ide om “utseendet” jeg går etter, og det hjelper meg å få de bildene jeg vil ha til porteføljen min, basert på stil og merkevarestetikk. Rekvisitter trenger ikke å være forseggjorte eller dyre. Noen ganger er det de små tingene som en enkel off-white serviett som kan gjøre susen.
Klesvalg og fargevalg er gitt, men kundene mine har frihet til å velge hva de vil ha på slutten av dagen!
4. Kamerainnstillinger
Hvis du fotograferer digitalt og har et kamera som lar deg fotografere i RAW-format, må du definitivt gjøre det. Bilder opprettet i RAW-format beholder mer av originaldetaljene enn et JPEG.webp-filformat. RAW-filformatet gir også størst mulig spillerom for å redigere bildet under etterbehandling når du ønsker å oppnå et spesifikt “utseende”.
Unngå ekstreme lyspunkter på fotografiet ditt ved å bruke histogramfunksjonen på kameraet. Digitale bilder takler ikke resultatet av enorm overeksponering veldig bra, så du vil se etter det.
Når det er sagt, har jeg en tendens til å overeksponere bildene mine med omtrent 1/2 stopp omtrent 95% av tiden. Jeg synes det er vanskeligere å redigere et undereksponert bilde til det "lette og luftige utseendet" enn å justere et litt overeksponert bilde. Jeg er mindre bekymret for utblåste høydepunkter enn for tette skygger.
5. Konsistens i fotografering og redigeringsstiler
Konsistens i fotografering og redigeringsstiler er enorm, og ikke noe som for mange fotografer tar hensyn til. Fotostil utvikler seg over tid. Det krever mye øvelse, kontinuerlig fotografering og konsekvent redigeringsprosedyre for å få bildene våre til å se ut på en bestemt måte og formidle visse følelser. Dette er mitt 9. år i virksomhet, og stilen min har tatt tid å utvikle meg. Etter mye prøving og feiling vet jeg hva jeg liker og hvordan jeg vil at bildene mine skal se ut og føles - selv om det bare er for meg!
Noen mennesker hopper på den siste redigeringsvognen og er overalt når det gjelder å prøve alt der ute. Fristende som det måtte være, har jeg funnet ut at det bare fører til mer frustrasjon og angst når man finner ens stil. Når du akkurat har begynt, kan du prøve alle de forskjellige typene fotografering. Se hva du liker og ikke liker. Når du har begrenset din personlige stil, hold deg til den. På den måten blir det andre natur og hjelper deg med å utvikle en konsistent og sterk portefølje.
