Før du eller jeg noen gang tok opp et kamera, var våre fotografiske forfedre (og mødre) ute og skjøt, lærte og glødende nye stier for oss å følge. Jeg har alltid hatt stor trøst i det faktum. Å vite at vi er en del av en lang rekke bilder og bildemakere, bør gi oss en følelse av stolthet. Gjennom ren vilje og besluttsomhet arbeidet de gjennom tunge tider, fiasko og noen ganger kontroverser for å gi oss et utrolig forsprang for å bli bedre fotografer.
Ironisk nok begynte mange av disse fotokjempene, som de fleste andre mennesker med stor innflytelse, ikke å være slike i begynnelsen av karrieren. Mange trengte ganske enkelt en jobb, andre trengte et utløp for deres kunstneriske tilbøyeligheter, og atter andre … vel, de hadde mislyktes i det de opprinnelig ønsket å bli.
I denne utgaven av det jeg kjærlig har kalt, The Master's Series, vil vi se på to flotte fotografer som ikke kom lett etter berømmelsen. Du vil lære av deres hardt opptjente visdom noen tips som kan hjelpe deg med å forbedre din egen fotografering.
Robert Capa
Capa av Gerda Taro
Robert Capa, som faktisk ble født inn i denne verden under navnet Endre Friedmann, var en ungarsk fotograf og fotojournalist. Hans lidenskap var å gi krigsfotografering til massene på en nært og personlig måte som aldri hadde blitt sett før. Han ble født i oktober 1913 og møtte sin utidige slutt 25. mai 1954. I løpet av de 41 årene skutt Capa fotografier i kampens hete under fem kriger. Hans arbeid definerte nesten det bildet vi har av andre verdenskrig, inkludert invasjonen av Normandie fra frontlinjene på Omaha Beach.
I 1947 var Capa en del av en gruppe fotografer som kom sammen i Paris for å danne Magnum Photos. Blant medlemmene i gruppen der slike store som Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David “Chim” Seymour og William Vandivert. Magnum skulle bli det første verdensomspennende byrået for frilansfotografer og fotojournalister.
Leksjoner du kan lære av Robert Capa
Plasser deg selv for skuddet
Øk sjansene dine for å lage bedre bilder ved å sette deg selv i stand til å lage dem. Når jeg sier "bedre posisjon" mener jeg dette både figurativt og bokstavelig. Capa var kjent for å si: "Hvis bildene dine ikke er gode nok, er du ikke nær nok." Capa var kjent for å være uredd og ville komme seg rett opp i handlingen for å lage fotografiene sine. Virkelig, som en generell retningslinje, kan flytting i nærheten av motivet forbedre ikke bare kvaliteten på et bilde, men også øke dets visuelle innvirkning på betrakteren.
Når det er sagt, betyr det å sette deg selv i posisjon til å produsere bedre arbeid at du bør vite hvilket fotografi du prøver å ta. Vær forberedt på å lage fotografiet, dvs. riktig linse, stativ, tillatelser osv. Til slutt, vær sikker på at du vet hva som må gjøres for å eksponere så godt som mulig.
Fremme deg selv kreativt
Hvorfor sluttet Andre Friedmann å være Andre Friedmann og ble Robert Capa? Svaret er rett og slett bedre markedsføring. Hvis du er av den eksepsjonelt språklige typen, har du kanskje lagt merke til at Capa er det ungarske ordet for hai. Da Capa var gutt, var det kallenavnet som ble gitt av vennene hans. Ser du, Capa fikk ikke særlig oppmerksomhet under navnet hans, så en ny persona ble oppfunnet som front for sitt arbeid. Denne nye persona var den berømte, men helt oppdiktede amerikanske fotografen Robert Capa, som visstnok skulle turnere Europa på den tiden. Kunder elsket det. Snart strømmet arbeidet inn og Capa var på vei til å bli en fotografisk legende.
Dette betyr ikke at du må slutte å være deg for å bli mer vellykket som fotograf. Det betyr bare at du noen ganger trenger å få frem litt kreativitet når du selger deg selv som kunstner. På en måte, arbeid for å produsere din egen identitet som fotograf. Dyrk din egen stil. Husk å vise bare det beste arbeidet ditt. Fortell historien om bildet i stedet for bare å vise det. Vær karismatisk og imøtekommende med kundene dine, og ikke vær redd for å snakke positivt (ikke skrytende) om deg selv og arbeidet ditt.
Ikke alltid besatt av teknisk perfeksjon
Dette kan være en veldig vanskelig oppgave å mestre. Det er lett å bli fanget i å få blenderåpningen akkurat eller sørge for at det ikke er for mye korn med den ISOen. Når det gjelder fotojournalistiske bilder som gatefotografering, bør følelsene og stemningen til en scene eller et motiv lede din primære oppmerksomhet. I løpet av hvor lang tid det kan ta å tilpasse fokuset, kan øyeblikket gå forbi. Det viktige er å lære deg selv at en god eksponering av et stort øyeblikk nesten alltid vil trumfe en stor eksponering av en middelmådig scene.
Dette skuddet kunne ha vært bedre fokusert, men jeg savnet kanskje konsentrasjonsutseendet.
Mentor de som vil lære
Dette er en biggie, og kanskje en av de viktigste tingene du kan lære av Robert Capa for å hjelpe deg selv å vokse som fotograf. Capa erkjente at fotografering aldri ville komme videre hvis det ikke var noen nye fotografer som kom for å ta plassen til seg selv og hans kolleger når tiden deres hadde gått. Så han dirigerte en god del av tiden sin til nettverk med og undervisning av andre fotografer håndverket.
Når du veileder eller på annen måte gir deg selv for å hjelpe en ny fotograf med å forbedre seg selv, har du kanskje uvitende en enorm innvirkning på fotograferings kunsten. En forståelse for videreføring av fotografiske prinsipper og teknikker er muligens det største eneste bidrag en fotograf kan gi til verden.
Jerry Uelsmann
Bilde med tillatelse fra Indiana University
Å si at denne neste fotografen er et interessant individ, er både nøyaktig, og samtidig en rungende utilstrekkelig beskrivelse. Jerry Uelsmann ble født 11. juni 1934 i Detroit, og er en av de store kunstnerne som flyr rett under radaren til mainstream, men hvis arbeid virkelig er enestående og inspirerende. Som mange var hans oppgang i fotograferingsverden sakte og møysommelig. Han oppdaget fotografering som tenåring. Etter egen innrømmelse mente han at han gjennom å lage bilder var i stand til å leve utenfor seg selv og bo i en verden av sin egen skapelse.
Til slutt fortsatte han med å oppnå grader fra flere høyskoler, og til slutt fant han seg å undervise i fotografi ved University of Florida på begynnelsen av 1960-tallet. Karrieren ble startet opp i 1967 da han landet en solo-fotografiutstilling på The Museum of Modern Art i New York City.
Jerry begynte sitt arbeid omtrent tretti år før adventen av programvare for fotoredigering som Photoshop. Han steg til berømmelse gjennom produksjonen av svært surrealistiske og manipulerte svart-hvitt-fotografier. Han gjorde alt i mørkerommet - ved å bruke forskjellige negativer med opptil tolv forstørrere, som han så bokstavelig talt "lagde" oppå hverandre for å lage sitt ferdige produkt. Mange av hans bilder kombinerer elementer fra den naturlige verden så vel som humanistiske fremstillinger og menneskeskapte gjenstander.
Leksjoner du kan lære av Jerry Uelsmann
Ikke vær redd for å postvisualisere
Hvis du nettopp har begynt i fotografering, har du sannsynligvis hørt noen viktige setninger nevnt om og om igjen. En av de viktigste er pre-visualiseringer. Lærere og forfattere (inkludert meg selv) elsker å verbalisere eller skrive poetiske analogier om hva det betyr å "se" et bilde før lukkeren slippes. Det som menes med dette er at du kan lære deg selv å mentalt komponere, ramme inn og behandle et fotografi før det blir laget. Å lage fotografier blir så mye mer tilfredsstillende når du har klart å utvikle denne vanskelige, men likevel viktige fotografiske ferdigheten.
Baksiden av den mynten er noe som sjelden blir snakket om, men er likevel interessant og tankevekkende. Det vi snakker om her er handlingen med post-visualisering. Dette kan sees på som det stikk motsatte av å forhåndsvisualisere et fotografi, men det er ikke akkurat så enkelt. Uelsmann er bokstavelig talt den originale mesteren i denne prosessen. Han fotograferte forskjellige gjenstander og scener, med den uttrykkelige intensjonen om senere å lage et ferdig verk som blander sammen elementer av hver. I det vesentlige så han det fullførte fotografiet etter at han allerede hadde produsert en serie ellers ikke-relaterte bilder.
Prøv etter visualisering selv. Gå gjennom noen av de gamle bildene dine og se om tiden som går hjelper deg å se på dem på en ny måte. Se etter forskjellige avlinger som kan gjøre bildet sterkere. Se om et bilde kan fungere bra i svart-hvitt og eksperimenter med skyggene. Juster hvitbalansen og endre stemningen på et bilde. Det er egentlig alt etter visualisering er; ser på noe som allerede eksisterer og ser hva annet det kan bli.
Et bilde jeg laget for over fire år siden.
Her ser vi det på en helt annen måte etter en nylig kreativ prosessering.
Oppfyll visjonen din
Hold deg tro mot visjonen din. Det er nøkkelfrasen du bør ta bort fra dette punktet. Uelsmann produserte bilder som var vanskelig å forstå av noen. De ble ikke lett akseptert, og teknikkene han brukte, ble av noen sett på som ingenting annet enn lureri. Likevel produserte han bildene han ønsket uavhengig av hvilken manipulasjon han måtte gjøre i mørkerommet.
Gjør hva du trenger å gjøre. Det være seg etterbehandling, filtre, funky border, rare fargevalg - hva som helst. Det er kanskje ikke alles smak, men det er skjønnheten i fotografering. Gjør alt som trengs for å oppnå det bildet du har tenkt å lage.
Du vil mislykkes, men du er ikke en fiasko.
Jerry Uelsmann er et klassisk tilfelle av noen som nektet å gi opp. Han fortsatte å prøve til tross for sine første vanskeligheter i skolen, og den dårlige aksept av hans tidlige arbeid. I stedet for å stenge dørene til mørkerommet for godt bestemte han seg for å fortsette. Å lage bilder som rørte ham var målet hans, og han lot ikke friksjonen stoppe ham.
Selve arten av hans arbeid som først var avskyelig, begynte å være det folk ble glad i. Så hvis du sitter fast i et prosjekt, har du problemer med en klient, eller selv om kameraet ditt ser ut til å være ulærbart, husk bare å fortsette. Ingenting som var verdt å gjøre var aldri så enkelt.