Den spanske dramatikeren, dikteren og forfatteren Pedro Calderón de la Barca sa en gang “grønt er verdens hovedfarge, og det som dets skjønnhet oppstår fra”. Fra perspektivet til en elsket frosk er det imidlertid ikke så lett å være grønn. På det synlige spekteret opptar grønt rommet mellom blått og gult. I fargelære er det en sekundærfarge, laget ved å blande blått og gult sammen. Her vil vi se på utviklingen av grønt og dens innvirkning på kunst fra antikken til i dag.
Psykologien til grønt
Greens sterkeste psykologiske assosiasjoner ligger i det naturlige miljøet. Ordet grønn stammer fra det midt-engelske og det gamle engelske ordet grene, som har samme rot som ordene gress og vokse. Mange mennesker reagerer på naturen, og dermed grønt i seg selv, med en følelse av ro og fornyelse. I følge en fersk studie kan eksponering for grønne områder i barndommen gi betydelige fordeler for mental helse i ungdomsårene og voksenlivet. En annen studie antyder at "tilgjengeligheten og kvaliteten på grøntområder i nabolaget er forbundet med større velvære".
Green’s tilknytning til naturen har ført til at det grønne ble vedtatt som et emblem for miljøbevegelser. Frisk grønne planter om våren og den jevne veksten av plantelivet har fostret assosiasjoner med grønt og gjenfødelse og besluttsomhet. I kontrast har den grønne teksten på tidlige datasystemer dyrket assosiasjoner mellom grønt, modernitet og det digitale landskapet. Filmen Matrisen har fremmet denne foreningen.
Da USAs regjering begynte å utstede kontanter i 1861, ble regninger trykt med grønt-svart blekk. Dette har fostret assosiasjoner mellom grønt og penger. På grunn av den reflekterende naturen brukes neongrønn ofte til sikkerhetsutstyr, klær og skilting. På grunn av vibrasjonskvaliteten har neongrønt også mye av psykedelisk kunst.
En tro fra de gamle grekerne om at overproduksjon av galle (som vanligvis er mørkegrønn til gulbrun væske) var et symptom på sjalusi, har trukket sammenhenger mellom grønt, misunnelse og sykdom. Irland er poetisert av William Drennan som "Emerald Isle", og er forbundet med fargen grønn på grunn av det frodige grønne landskapet. I Kina er grønt assosiert med øst, vår og genererende energi. For mange indianere, grønt symboliserer utholdenhet. Grønt er den hellige fargen på Islam, som representerer Muhammed. I Sør-Amerika kan imidlertid grønt være et symbol på døden.
Utviklingen av fargen grønn
Malakitt, grønn jord og verdigris
Mens forhistoriske kunstnere brukte en pall bestående av røde, gule, svarte, brune og hvite, var greener og blues merkbart fraværende fra tidlig kunst. Dekorativ keramikk laget av gamle mesopotamere skildrer noen av de tidligste eksemplene på grønt innen visuell kunst. Metoden som brukes til å produsere disse greenene er imidlertid ukjent.
Utgravde i den vestlige Sinai og den østlige ørkenen, prydet gamle egyptere graver og papyrus med finmalt blågrønt malakittpigment. Henviser til etterlivet som Malakittfelt, de gamle egypterne hadde det knuste mineralet rundt øynene for å avverge ondskapen. Moderat lettfast, men veldig følsom for syrer, og varierende i tonekonsistens, fortsatte malakittens bruk i kunst frem til 1800-tallet. Egypterne brukte også grønne jordpigmenter eller blandet gul oker med blå azuritt for å danne grønne fargetoner.
Romerne ble hentet nær Verona i Italia og på Middelhavsøya Kypros, og brukte grønn jord mye i dekorasjon. I følge bloggen Eclectic Light Company er det også funnet grønne jordpigmenter i malerier fra Nord-Amerika og det indiske subkontinentet. Selv om den mangler intensitet, har grønn jord sett bruk helt frem til i dag. Kanskje den mest kjente bruken er imidlertid undermaling av kjøtttoner i middelalderen.
Romerne brukte også verdigris som en kilde til grønt pigment. Verdigris forekommer naturlig når kobber, messing eller bronse utsettes for luft eller sjøvann over tid. Verdigris ble bevisst dyrket ved å suge kobberplater i gjærende vin og samle de resulterende restene, og var den mest levende grønne tilgjengelig til 1800-tallet.
Scheele’s green
Oppfunnet i 1775 av kjemiker Carl Wilhelm Scheele, var Scheeles green den første som inneholdt arsen i sammensetningen. Selv om det bleknet raskt, ble Scheele's green ansett som bedre enn tidligere maling på grunn av dets livlighet. Den ble brukt i en rekke applikasjoner fra matfargestoff til kunstnerens maling. Unødvendig å si var Scheeles green veldig giftig og kreftfremkallende. Både produsenter og forbrukere ble syke eller døde av eksponering for det dødelige pigmentet.
Koboltgrønn
I 1780 utviklet den svenske kjemikeren Sven Rinman en prosess som resulterte i en koboltgrønn forbindelse av kobolt og sink. Arthur Herbert Church, en britisk kjemiker, publiserte Rinmanns prosess i sin bok, The Chemistry of Paints and Painting, der han uttalte at koboltgrønn ble til ved å "utfelle en blanding av nitrater av kobolt og sink med et alkalisk karbonat og deretter sterkt oppvarming (etter vask) dannet bunnfallet ”.
"Når den er forberedt på riktig måte," fortsatte Church, "er koboltgrønt et pigment med stor skjønnhet og kraft." Imidlertid, til tross for muligheten til å variere forholdet mellom sink og koboltoksider i produksjonen, var pigmentet aldri et rent grønt, og fikk i stedet en blåaktig fargetone. I tillegg betydde den høye kostnaden og den dårlige fargestyrken til koboltgrønt at den så begrenset bruk av kunstnere.
Paris grønn
Paris green er også kjent som smaragdgrønn. Paris-grønt ble kommersielt tilgjengelig i 1814, og ble brukt som et pigment så vel som et rodenticid og insektmiddel. Tilbyr større varighet og metning over Scheele's green, viste Paris green seg populær blant artister som Monet og Van Gogh. Fra en lyseblå-grønn til en dyp grønn, var Paris-grønn relativt relativ å produsere. Den ble også brukt som husholdningsmaling og i dekorativt tapet. Svært giftig, og ble avviklet i løpet av andre halvdel av det tjuende århundre.
Viridian
Viridian ble valgt for å holde metodikken hemmelig og ble først produsert av kjemikerne Pannetier og Binet i Paris rundt 1838. Det tok ytterligere 20 år før kjemiker Guignet patenterte en prosess for å produsere Viridian, som gjorde pigmentet tilgjengelig for kunstnere.
Viridian tar navnet sitt fra det latinske ordet viridis, mening grønn. En mørk nyanse av vårgrønn, Viridian sitter mellom grønn og blågrønn på fargehjulet. Viridians glans, utmerkede varighet og mangel på toksisitet gjorde at den snart overskygget alle andre grønne pigmenter. Lett adoptert av Edvard Munch, Monet og Van Gogh, forblir de rike blågrønne nyanser av viridian i bruk i dag.
Grønt innen billedkunst
Greens tilstedeværelse i kunsthistorien er et bevis på dens stemningsfulle tilknytning til natur og liv. Dyrket av oversvømmelsen av elven Nilen, anerkjente gamle egyptere det grønne av blomstrende avlinger som et symbol på gjenfødelse. Osiris, den gamle egyptiske guden for underverdenen og gjenfødelsen, ble avbildet med en grønn hudfarge, og hieroglyf for fargen grønn var representert av stilken til papyrusen.
I middelalderen og renessansen signaliserte klesfarge sosial rang og yrke. Green ble brukt av kjøpmenn, bankfolk og gentry. Både Mona Lisa og bruden i Arnolfini-portrettet av Jan van Eyck er avbildet i grønt, en indikasjon på statusen.
Ved å dra nytte av greener raffinert over renessanseperioden, formidlet barokke kunstnere øyeblikk av bevegelse og drama med rike grønne fargetoner. Drømmende grønne landskap befolket av velstående definerte rococo-kunstbevegelsen, mens de grønne fargene i 1800-tallets realisme speilet den dystre virkeligheten i middel- og underklassesamfunnet. I motsetning til dette brukte kunstnere før raphaelitt grønt for å skildre strålende klær og løvverk.
Grønt fanget samspillet mellom lys og bevegelse, og fikk et nytt liv under streken fra impresjonistens pensel. Ekspresjonistiske kunstnere verdsatte følelser over virkeligheten i sine forvrengninger og overdrivelser ved å bruke grønt for å formidle nye kunstneriske muligheter. Kubister brukte grønt som et verktøy for å lindre noe av tyngden i komposisjonene sine, og senere uttrykte abstrakte kunstnere som Mark Rothko og Helen Frankenthaler den oppslukende naturen til grønt gjennom frodige toner på aktive hylser.
Grønt i samtidskunsten
Samtidseksempler på grønt som brukes i kunst er like varierte og unike som selve grønt. I 1970 reiste Bruce Nauman to vegger, plasserte dem 12 tommer fra hverandre og hengte grønne lys over gapet. Oppfordret til å gå gjennom det klaustrofobiske rommet, ble publikum badet i grønn fluorescens mens de blandet sammen.
I 1998 brukte Olafur Eliasson en natriumsaltvariasjon av fluorescein kalt uranin for å fargelegge vannveier i Tyskland, Norge, Island, Sverige, Japan og USA en levende grønn. Han kalte sine bestrebelser Green River Project.
I 2016 forvandlet den norske kunstneren Per Kristian Nygard et Oslo-galleri til et organisk kunstverk. Fordeling av jord og gressfrø over et treverk dekket med plastark, dyrket Per Kristian Nygard Ikke rødt men grønt, et kontemplativt stykke som undersøker utvekslingen mellom arkitektur og natur.
Grønt i fotografering
Green’s associasjoner blir fortsatt avbildet i både film- og digitale fotografiske formater. Den australske duoen Prue Stent og Honey Long kombinerer fotografering med ytelse, installasjon og skulptur, og undersøker forholdet mellom menneskekroppen og naturen. Stent og Longs serie Bush Babies smelter sammen det grønne av det naturlige miljøet med nakenheten til menneskekroppen.
Et overordnet tema i Narelle Autios fotografering er studiet av menneskelig interaksjon innenfor grønne områder. Namia Greens portretter av svarte og brune motiver mot frodig grønt reflekterer fotografens avvisning av den smale representasjonen av svarte folk i kunsten. Fotografert av Steve McCurry, de berømte grønne øynene til den afghanske jenta (Sharbat Gula) er både hjemsøkende og hjemsøkt, og gjennomborer en seers blikk. Ren Hang (lenke NSFW), kjent for sine seksuelt uttrykksfulle bilder, stolte ofte på grønt for kontrast, kontekst og liv.
Landskaps- og arkitektfotograf Andreas Gursky bruker ofte grønt som en visuell pause i arbeidet sitt. Motefotograf Miles Aldridge bruker grønt som en surrealistisk børste med det surrealistiske. Makrofotografer som Tomas Shahan signaliserer tid, sted og atmosfære, og har grønt som en uunngåelig bakgrunn for sine små naturmotiver. Og Pep Ventosas dynamiske verk ser grønt som en rådende tilstedeværelse i serien hennes I runden, trær.
Green har applikasjoner på kameraet også. I svart-hvitt-fotografering brukes grønne filtre hovedsakelig til å fotografere planter, og skiller grønt løvverk med fargerike blomster. I landskapsfotografering lyser grønne filtre organiske greener, noe som gir et bilde et mer naturlig utseende.
Konklusjon
Til tross for sin sene ankomst til kunstnerens pall, reflekteres greenens allsidighet i dens mange konnotasjoner. Assosiert med fornyelse og gjenfødelse har grønt også vært knyttet til det digitale landskapet, penger, sjalusi og sykdom. Fra gammel kunst til moderne visuell kultur har grønt formet vår forståelse av miljøet rundt oss. Skildrer umåtelig dybde og overflod, grønt er fargen på naturen og livet.
Del med oss bildene dine som bruker grønt i kommentarene nedenfor.
Du vil kanskje også like:
- Mastering Color Series - Psykologien og evolusjonen til fargen RØD og den brukes i fotografering
- Mastering Color Series - Psykologien og evolusjonen til fargen GUL og dens bruk i fotografering
- Mastering Color Series - Psykologien og utviklingen av fargen BLÅ og dens bruk i fotografering
- Mastering Color Series - Psykologien og evolusjonen av fargen ORANGE og dens bruk i fotografering
- Mastering Color Series - Psykologien og evolusjonen til fargen PURPLE og dens bruk i fotografering
- Mastering Color Series - Psykologien og evolusjonen av Color PINK og dens bruk i fotografering
