Fotografering av kunstverk kan virke som en enkel oppgave, men det er ofte vanskelig å gjøre det bra. Det er tekniske hindringer å overvinne, som å oppnå en jevn eksponering, unngå refleksjoner, fokusere nøyaktig, velge riktig blenderåpning og så videre. I denne artikkelen vil jeg gi deg noen tips om fotografering av kunstverk som gjør prosessen mye enklere!
Detalj fra ‘The Ninth Wave’ (1850) av Ivan Aivazovsky. Russisk museum, St. Petersburg.
Tips om fotografering av kunstverk
Tipsene jeg skal gi er hovedsakelig knyttet til 2D-kunst, det vil si malerier, tegninger eller trykk i hvilken form de kommer. Jeg har fotografert de fleste av dem, alt fra store oljemalerier på nasjonale museer til antikke avisillustrasjoner hjemme.
Jeg vil også gi noen tips om fotografering av skulptur. Å lage vellykkede bilder av 3D-kunst er ikke alltid grei.
hvit balanse
Når du fotograferer kunstverk, er ikke hvitbalanse objektiv - det er en kreativ beslutning å ta. Vil du bevare fargen på kunsten slik du ser den, eller bør du nøytralisere den og gjøre de hvite hvite? Vil du være historiker eller restauratør?
Jeg kunne gjenopprette hvitheten og den originale fargen i denne viktorianske avisen med et enkelt klikk, men med et grått kort har jeg gjengitt den 125 år gamle staten. Belysning er dagslys over hodet.
Papir og maling pleier å misfarges med alderen, vanligvis med gulfarging. Så du må bestemme om du vil kopiere det du ser eller skru klokken tilbake. Det antas at du er riktig i antagelsene dine om originalfargen.
For å "korrigere" hvitbalanse er det to hovedtilnærminger:
- For å få hvite til å se ut som hvite: velg et område i kunstverket som skal være nøytralt i tonen - helst et mellomgrått hvis det finnes. Ved å klikke på dette området med et hvitbalanseverktøy, vil du utjevne RGB-verdiene og, med hell, korrigere farge i resten av bildet. Problemer oppstår når kunstverket har eldet mer noen steder enn andre, noe som har en tendens til å skape stygge gule flekker når du utfører en WB-justering.
- For å bevare tegn på aldring: bruk et grått kort for å korrigere for lyset som belyser kunsten, som beholder den eksisterende fargen på kunstverket, inkludert tegn på aldring. Det vil fremdeles skje litt fargeskift siden utseendet til alle objekter påvirkes av lyset de faller under. Men du vil beholde alderen. Du kan alltid varme opp bildet litt hvis du vil understreke det antikke utseendet.
Et tredje alternativ, hvis du ikke har noen nøytrale toner i bildet eller noe grått kort, er å fikle med fargetemp og fargetoner til du tror hvitbalansen er riktig. Å korrigere farge etter synet er imidlertid uheldig og aldri så nøyaktig som å bruke tall.
En ting vi vet om snø er at den ser bedre hvit ut. Kunstig belysning og / eller aldring gjør at dette maleriet blir gult på et bilde. Et hvitbalanseverktøy gjenoppretter det raskt, men det er vanskelig å alltid vite hvordan et maleri så ut når det var friskt. Kunstner: Ferdinand Schmidt (c1900), La Piscine Museum, Roubaix.
Lyskilden utgjør en enorm forskjell i hvitbalansen. Unngå blandet belysning hvis du kan. På museer finner du ikke ofte malerier under blandede lyskilder, men det samme gjelder ikke skulptur. En blanding av varmt kunstig lys og vinduslys forårsaker sterke oransje eller blå fargekast i lokale områder av bildet. Dette kan være vanskelig å håndtere i etterbehandlingen.
Kunstmuseer har ikke en tendens til å vise malerier under blandet belysning, men du kan finne skulpturer i nærheten av et vindu. Det vil ofte resultere i blå høydepunkter og oransje skygger. Skulptur: Epicurus og Metrodorus, Louvre Museum.
Fargekorreksjon, DNG-profiler, lyskilder
Vi har snakket om å korrigere hvitbalanse når du fotograferer kunstverk, men du kan ta fargekorrigering lenger enn det. Du kan også korrigere for egenskapene til lyskilden.
Fluorescerende og LED-lyskilder er mer energieffektive enn gamle glødelamper og overfører ikke varme utover. LED-belysning er nå veldig vanlig i kunstmuseer. Og likevel har lyset lavere kvalitet sett fra et fotografisk synspunkt enn halogenens.
Moderne lyskilder avgir enten et diskontinuerlig eller smalt båndspektrum, noe som betyr at de gjengir farger inkonsekvent og noen ganger ikke i det hele tatt over det synlige spekteret.
Kunstmuseer og gallerier bruker en lyskilde til å belyse malerier. Det kan være diffust lys over hodet eller spotlights på et sporbelysningssystem. Foto av Riccardo Bresciani fra Pexels
I noen grad kan du bedømme kvaliteten på LED / lysrør etter deres CRI-vurdering. Du trenger 90+ hvis du handler etter dem, men en høy vurdering gjør dem ikke lik tradisjonelle lyskilder. CRI-testen er en mild, ikke-standardisert test med noen få fargeplaster, så forskjellen mellom 95% og 100% er større enn tallene antyder. Glødelamper og halogenlamper scorer 100% som standard.
En måte du kan forbedre fargene på bildene dine når du fotograferer kunst under moderne lyskilder, er å lage en DNG-profil. For dette bruker du et produkt som X-Rite Color Checker og enten X-Rite eller Adobe-programvare. Du bruker deretter denne profilen på råkonverteringsfasen hvis programvaren støtter den.
Denne siden fra en antikk WW1 historiebok blir tydelig tent fra høyre. Vær oppmerksom på at X-Rite Color Checker inneholder nøytrale lapper for å korrigere hvitbalanse, samt fargeplaster for DNG-profiler.
Hvis du prøver å korrigere for LED eller lysrør fra øyet, vil du sannsynligvis trenge skyveknappen "fargetone" i rå omformere. Disse lyskildene varierer sterkt i produksjonen langs en grønn til magenta akse. Gamle glødelamper oppfører seg ikke på samme måte - produksjonen deres sitter alltid langs den oransje-blå Kelvin-skalaen.
Vinduslys - Fordeler og ulemper
Denne gamle annonsen ble utstilt utenfor. Selv om fargetemperaturen på dagslys varierer, viser ingen andre lyskilder fargen så fullstendig over det synlige spekteret. KattenKabinet Museum, Amsterdam.
Du vil aldri slå dagslys for sin evne til å vise alle farger i det synlige spekteret med liten skjevhet. Det er en ideell lyskilde for kunst. Det eneste problemet er at du ikke kan kontrollere det veldig bra. Hvis du bruker vinduslys til å fotografere et kunstverk, vil eksponeringen sannsynligvis være ujevn fra side til side. Det kan være et stopp eller mer forskjell. Du kan få dette ned til omtrent et halvt stopp eller mindre hvis du bruker en reflektor.
Selvfølgelig kan du til og med øke eksponeringen i etterbehandling. En ting du kan gjøre er å fotografere et tomt kort eller et stykke hvitt papir under samme lys, noe som gjør ujevn eksponering åpenbar når du ser det på datamaskinen. Bruk det du ser der for å korrigere andre bilder i fotograferingen.
Hvis du fotograferer et postkort med vinduslys, blir ujevn eksponering tydeligere ved å vende det over. Til høyre for dette bildet er 25% lysere enn det venstre.
Bruk justeringsbørster, lag og lagmasker eller et gradert nøytralt tetthetsfilter for å korrigere ujevn eksponering over et bilde. Lokale justeringer på bildet som de som finnes i DxO PhotoLab er gode. Et gradert filter er en jevn måte å håndtere det på, men du kan like gjerne bruke børster med mye fjær.
Perspektiv: posisjonering av kunst til et bilde
Når du fotograferer et 2D-kunstverk, må du plassere det flatt mot en vegg eller et bord og prøve å få kamerasensoren perfekt tilpasset den. Ellers ser du den samme "keystoning" -effekten du får med arkitekturen, der vertikale linjer avviker. Emnet for kunsten vil være litt forvrengt hvis du tar det på skrå, men ikke alltid til en grad noen vil legge merke til det.
En måte du kan justere et kamera med kunst på, er å bruke et vater på begge. Test overflaten som kunsten ligger mot, for å se om den er jevn, og foreta justeringer med rekvisitter om nødvendig (omtrent som med et bordben på et ujevnt gulv). Gjør det samme med kameraet, bruk et vater på hotshoen eller hvil på en flat del av kameraet i et stativ. Det trenger ikke se profesjonelt ut hvis det gjør jobben.
Ideelt sett vil du at kameraet skal være på nivå med sentrum av bildet når du fotograferer kunst. Jeg har ikke gjort det dårlig med dette håndholdte skuddet, selv om det er litt kjipt til høyre (veggmonterte malerier kan vippe litt på toppen). Korreksjonen vil være moderat. Kunstner: Lucien Jonas (1880-1947), La Piscine Museum, Roubaix.
Nivånivåene varierer i nøyaktighet, men du vil snart se om metoden din fungerer eller ikke med rektangulært kunstverk. Hvis det gjør det, vil de horisontale og vertikale kantene justeres med 90-graders vinklene på bildet ditt. Hvis du ikke er kilter, vil du se den svake keystoning-effekten.
Har dette noe å si? Du kan korrigere perspektiv i redigeringsprogramvare, men bare med tap av kant til kant-skarphet.
Jo mindre du må rette, jo bedre.
Bruk vaterpass sammen med alle vinkelrette linjer i kunstverket for å oppnå best mulig perspektiv. Tunge korreksjoner for nøkkelsten etterpå har en negativ innvirkning på bildekvaliteten, som kanskje eller ikke blir merkbar avhengig av tiltenkt bruk.
Hvis alt du gjør er å dele et bilde av et maleri på Facebook, trenger du ikke å være masete med å tilpasse kunstverk og kamera. Å bruke tilstrekkelig med dybdeskarphet vil kompensere for mindre fokuseringsfeil, og ingen kommer til å hente deg på ufullkomne vertikaler! På den annen side, hvis du selger kunst på nettet, vil du gjøre den beste jobben du kan med bildene.
Linsevalg og dybdeskarphet
Et godt valg av objektiv for fotografering av kunst er en 50 mm eller 100 mm primærlinse med anstendig nærfokuseringsevne. Mange bruker makrolinser, ikke minst fordi de skaper svært lite forvrengning på nært hold. En zoom av høy kvalitet vil være tilstrekkelig rundt portrettlengden.
Du trenger ikke velge en liten blenderåpning når du fotograferer 2D-kunst, siden du ikke trenger mye dybdeskarphet. Å lukke linsen ned to eller tre stopp til f / 8 gir ofte optimal skarphet, mens mye mer enn det reduserer skarpheten ved diffraksjon.
Fokuseringsnøyaktighet & Live View
Uten tvil er den mest nøyaktige måten å fokusere på nesten hva som helst å sette kameraet ditt på et stativ og bruke live-visningsmodus med manuell fokusering. Unødvendig å si at det ikke fungerer så bra for bevegelige motiver, men det er den perfekte teknikken for kunstverk.
Bruk av live view fungerer bra for 2D-motiver, men er ikke avgjørende med mindre du vil ha perfekt skarphet. Du kan fokusere tilstrekkelig gjennom en optisk søker og la dybdeskarpheten ta vare på eventuelle mindre feil.
For 3D-motiver som statuer er live view uvurderlig. Den overvinner problemer som feltkrumning, unøyaktige fokusskjermer eller fokuspunkter og feiljusterte speil og sensorer.
Jeg er langt fra klar til å ta et bilde her, men jeg stiller opp et antikt postkort i live view-modus på stativet. Et problem med flate kunstverk er å holde dem flate for bildet. Du kan bruke maskeringstape av høy kvalitet og klone dem ut etterpå, men vær veldig forsiktig så du ikke riper av papiroverflaten etter fjerning.
Tekniske problemer gjør det ofte vanskelig å oppnå kritisk skarphet der du trenger det i statuer - vanligvis ansiktet og øynene. Du merker kanskje ikke dette med mindre du zoomer inn på bildene dine 100%, men det er lett å fokusere litt, spesielt på store statuer der du skyter oppover.
Du kan ikke stole på fokuseringspunkter eller fokus / refokuseringsteknikker, da de ikke alltid fungerer. Live view og manuell fokusering overvinne det.
Unngå refleksjoner
Når du tar et bilde av 2D-kunst bak glass, er refleksjon en av de største hindringene du skal overvinne.
Noen ganger er det lettere å gå videre til et annet motiv, men det er måter å unngå refleksjoner i kunstverkene dine. Her er noen av dem:
- Ikke bruk direkte blits på kameraet. Det vil skape et avskyelig hotspot i glasset som det er umulig å fjerne.
- Bruk retningsbestemte lyskilder fra siden - helst to på like avstand (en på hver side av kunsten). Ikke-retningsbestemt lys er mykere, men vil skape refleksjoner fra andre gjenstander i rommet.
- På et museum kan bruk av svarte klær hjelpe til med å fotografere små kunstverk, da det viser seg mindre i refleksjoner og absorberer lys fra andre lyskilder.
- Få venner eller slektninger i mørke klær til å stå nær kunsten og blokkere refleksjoner.
- Bruk en stor svart scrim / skjerm og skyv linsen din gjennom den for å fotografere gjenstanden - samme grunner som svarte klær, men mer effektive.
- Bruk et polariserende filter for å kutte ut mye av gjenskinnet (øker eksponeringstiden eller ISO, så ikke ideell for håndholdte bilder i svake museer).
- Skyt i en liten vinkel for å kutte ut refleksjoner og justere perspektivet i etterbehandling. Hvis du overdriver dette, reduseres kant-til-kant-skarpheten merkbart.
- Undersøk kunstverket nøye for refleksjoner som kanskje ikke er umiddelbart åpenbare - de har en vane å være mer merkbare på en PC.
Fanger tekstur
Hvis du vil fange tekstur i et kunstverk (f.eks. Oljemaleri), er det siste du vil ha en diffus lyskilde som en lysrør. Det du trenger er en retningsbestemt lyskilde fra den ene siden.
I oljemalerier betyr avslørende tekstur vanligvis at noe lys reflekteres i linsen, noe som kan være distraherende. Det er et spørsmål om å kontrollere effekten slik at spektrale høydepunkter ikke ødelegger bildet. Et polariserende filter vil hjelpe så lenge det ikke gjør andre opptaksparametere ubrukelige.
Refleksjonene i dette oljemalte portrettet understreker tekstur, men de er distraherende. Som alle spektrale høydepunkter, må refleksjoner i kunsten være subtile og holdes borte fra fokuspunktene.
Merk at LED-belysning er retningsbestemt av natur. Du kan improvisere hjemme ved å sette opp LED smalstrålende G50-spotlights eller lignende. Ellers kan du kontrollere diffus kunstig belysning eller blitsbelysning med modifikatorer som snoot.
Få kunstnere la maling tykkere eller villere enn Vincent van Gogh. Du kan se lys reflektert i denne detalj fra et av maleriene hans, men det er subtilt nok til ikke å forringe det større bildet. Foto fra rawpixel.com / Yale University Art Gallery (Kilde)
Kopibod, lysbord og lystelt
Hvis du fotograferer ganske små kunstverk, kan du være svært profesjonell ved å bruke utstyr som er ment for jobben. Personlig liker jeg å spare penger ved å bruke Heath Robinson-metoder, men ikke alt utstyret jeg skal nevne er dyrt. Jeg kan til og med snakke meg selv om å kjøpe noe av det …
Kopi står
Kopistativ inkluderer en base, to lys, en kolonne og en arm for å holde kameraet. De er ideelle for å fotografere store mengder flat kunst fordi de er klare til bruk, mens det tar tid å sette opp et stativ, kamera og lys. Kopibokser koster vanligvis fra rundt $ 200, men du kan hente dem brukt på mindre enn halvparten av det.
Lyse bord
Lysbord brukes ofte til å lage produktbilder med en klar, jevn hvit bakgrunn. Du kan like gjerne bruke en til små kunstverk og ornamenter. En kopistand er en bedre innsats hvis du vil spille inn flate kunstverk uten bakgrunn.
Lys telt eller terning
Lette telt har en tendens til å være femsidige kuber som holdes sammen av wire eller plastrammer. Sidene er laget av et gjennomsiktig materiale som slipper diffust lys igjennom. Det følger også med forskjellige bakgrunner. Noen telt har en blenderåpning i toppen som lar deg peke linsen nedover. Dette er ideelt for fotografering av små, flate kunstverk.
Du trenger en jevn eksponering for flat kunst, så lys med samme styrke og avstand på begge sider av teltet er gode. Med skulptur skaper ujevn belysning modellering og understreker form, så oppsettet er annerledes.
Lette telt kan enkelt lages hjemme ved å konstruere en enkel ramme og dekke den med gjennomsiktig materiale. Foto: Alison Christine fra North Yorkshire, Storbritannia (CC BY 2.0) via Wikimedia Commons
Lyse telt er ofte billige å kjøpe, i motsetning til lysbord og kopistativer. De er ofte spinkle også, men de er verdt å prøve for noen få dollar. Ingen seere kommer noen gang til å stille spørsmål ved teknikken eller hvor mye du har brukt på utstyr hvis bildet fungerer.Hvorfor fotografere kunstverk i stedet for å lage det?
Fotografering av andres kunst kan virke meningsløs, men det er en nyttig øvelse for å utvikle ditt kreative blikk. Dette er spesielt tilfelle hvis du isolerer områder av et maleri eller en skulptur, noe som tvinger deg til å studere kunst nøye. Det er ofte flere bilder i et bilde.
Innenfor større malerier ser du herlige detaljer. Her distraherer en ung jente seg med blomster mens hun muligens kjeder seg litt ved et bryllupsbord. Kunstner: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
Den eneste aktiviteten jeg vil på det sterkeste fraråde er å lage direkte kopier av verk fra levende eller nylig levende kunstnere (med mindre de er din klient og de har gitt deg i oppdrag å gjøre det) og prøver å tjene penger på dem. Da er du på veldig tynn moralsk og lovlig is (faktisk har du falt gjennom den). Opphavsrettens varighet varierer fra land til land.
Selvfølgelig kan du fotografere din egen kunst for å dele online eller selge på eBay. Det er ikke noe fotografisk motiv som er renere enn å dele. Ønsket om å dele er tross alt i hjertet til de fleste artister, uansett publikums størrelse.
Har du noen andre tips for å fotografere kunstverk du vil dele? Vennligst gjør det i kommentarene.