Hver gang jeg behandler et av bildene mine, gjør jeg det på en helt annen måte. Dette kan høres rart ut for deg. Jeg føler at ofte artikler om bildebehandling er full av ideer om formler og viktige trinn. Men for meg er dette helt i strid med alt jeg tror om fotografering.
Hvis du vil lage kreative bilder, er det ingen formel du kan bruke på alle fotografier eller alle sjangre. Det er ingen viktige trinn du må følge for hvert enkelt bilde.
Hvorfor det ikke er noen magisk formel
Å si at det er en formel er som å si at det er en for å lage god kunst, og hvis vi fulgte den, ville vi alle vært gode kunstnere. Men det er å se på det fra feil vinkel. Det er å be om noe utenfor deg for å få deg til å prestere bra. Faktisk er den eneste sjansen (bokstavelig talt den eneste) noen av oss for å ta flotte bilder, å la de mest unike delene av oss selv flyte ut.
Nå, det er ikke å si at jeg ikke har noen gode råd til deg. Jeg gjør! Det er imidlertid basert på min filosofi at hvert bilde er unikt. Dette er ikke en maling etter tallopplevelse - så behandlingen må kontaktes på en frisk, ny måte hver eneste gang.
Før behandling
Som mange bilder er det noen forskjellige måter jeg kunne ha gjort på dette. Behandling, som å ta bilder, er en helt subjektiv opplevelse. Det er mest moro!
I motsetning til de andre bildene jeg har omtalt i denne artikkelen, som alle ble tatt på den samme vakre morgenen i Hampstead Heath i London, ville jeg ikke ha det tåketåka på bildet i dette bildet. Det virket ikke for meg med de livlige fargene på bladene. Så i stedet forbedret jeg den dype fargen og ga bladene en sterk kontrast til de mørke grenene.
For meg er dette mer et naturlig utseende, det du ville sett når du er ute i skogen. Jeg brukte HSL-modulen for å mette fargekanalene individuelt med litt klarhet i grunnmodulen. Det tok egentlig ikke et stort press for å gjøre en stor forandring.
Etter behandling.
“Årsaken til at kunst (skriving, engasjering og alt dette) er verdifull er nettopp hvorfor jeg ikke kan fortelle deg hvordan du gjør det. Hvis det var et kart, ville det ikke være noen kunst, fordi kunsten er det å navigere uten et kart. " - Seth Godin
Ta en unik tilnærming for hvert bilde
Du ville ikke skyte alle bildene dine med samme lukkerhastighet? Når du er ute og tar bilder, selv om du tar bilder i full auto, svarer du på både motivet og lysforholdene rundt deg. Du justerer og jobber med det som er der. Det er den samme tilnærmingen du må ta når du behandler bildene dine.
Jeg liker å tenke på å behandle et bilde som å lage et maleri. Det er en organisk, subjektiv, ustrukturert prosess som finner meg til å gå frem og tilbake mellom verktøyene, ved å bruke litt av dette, litt av det, til jeg kan se noe jeg vil ha.
Før behandling.
Dette bildet har allerede alle elementene for et godt bilde. Det er atmosfærisk lys som du virkelig kan føle, og sammensetningen av det bare villtreet alene er sterkt. Så det jeg fokuserte på i behandlingen var å få frem fargene og forbedre atmosfæren og føle seg kald, dyster og tåkete. I tillegg trodde jeg at en blå / oransje delt tone ville se kult ut, og å fylle den med litt korn ville gjøre det til en følelse av nostalgi … Jeg er veldig nostalgisk om trær (barndoms ting).
Etter behandling i Lightroom.
“Du må glemme alle teoriene dine, alle ideene dine før emnet. Hvilken del av disse som egentlig er din egen, vil komme til uttrykk i ditt uttrykk for følelsene som motivet vekker i deg. ” - Henri Matisse
Hvordan kan du bruke dette på fotograferingen?
Min tilnærming kan høres litt lite nyttig ut - jeg mener at hvis jeg ikke kan fortelle deg formelen, de fem trinnene til suksess, de tre tastene alle trenger, hvordan kan du lære? Vel, det kan ta lengre tid å lære meg, men du vil ende opp med mye sterkere bilder. Du lager bilder som er kraftige, innflytelsesrike og unike for deg.
Selv om Lightroom handler om å lære et program, anbefaler jeg deg ikke bruk den med et teknisk tankesett. Bruk den med en kreativ, kunstnerisk tankegang. Bruk den som en pensel, en penn eller kameraet ditt. Husk at vi lager - ikke løser et algebraproblem her!
Før | 
Etter |
Det som appellerte til meg her var den litt mystiske følelsen. Det fikk meg til å tenke at stien førte til en sirkel av feer. Så Lightroom-arbeidet mitt reflekterte den visjonen, og dette er hva jeg opprettet (over til høyre). Jeg ønsket et veldig surrealistisk utseende. Jeg brukte split toning i greener og blues, samt en vignett, og hentet de svarte veldig intenst ut ved hjelp av grunnpanelet. Det jeg ignorerte var histogrammet, som alt ble klemt opp til høyre, men det spiller ingen rolle.
Jeg ønsket et veldig surrealistisk utseende. Jeg brukte split toning i greener og blues, samt en mørk kantvignett, og hentet de svarte veldig intenst ut ved hjelp av grunnpanelet. Det jeg ignorerte var histogrammet, som alt ble klemt opp til høyre, men det spiller ingen rolle. Kunst er alltid litt kaotisk, ikke sant?
Før og etter trinn for trinn
Dette er en kreativ, organisk, morsom prosess. Når du har gått gjennom alle Lightroom-modulene (hvis nødvendig), ikke vær redd for å gå tilbake og tilpasse deg og ta et stykke.
Så jeg vil ta deg gjennom trinnene for hvordan jeg behandlet et bilde i detalj. Jeg håper det gnister mange ideer for måter å hjelpe deg med å behandle din. Jeg skal ta bildet fra dette, rett ut av kameraet:
Før bildet, rett ut av kameraet.
Til dette:
Ferdig bilde behandlet i Lightroom.
Koble til bildet
Se på bildet. Hva får deg til å tenke på, føle eller forestille deg? Hvilke egenskaper kan du ane i bildet du kan jobbe med og tegne? Lightroom-opplæringsprogrammene du ser og leser, forteller deg hvordan du bruker glidebrytere osv., Men de forteller deg vanligvis ikke når du skal bruke dem. Denne prosessen med å vite når du skal bruke bestemte verktøy, handler om å bli virkelig involvert i bildet ditt og lære å bruke de iboende egenskapene til bildet for å veilede deg.
Dette høres kanskje opplagt ut, men jeg tror dette er et viktig skritt de fleste savner. Vi er ofte så fokuserte på å få det gjort, eller gjøre knappene klare til å trykke, at vi forlater den kunstneriske delen av sinnet vårt og hopper for raskt inn i det tekniske. Så svar på motivet, fargene og stemningen på bildet. Ingen forhåndsinnstillinger for tepper her, vær så snill!
Grunnleggende panel først
Mitt neste trinn med dette bildet var med Basic-panelet. De fleste bilder starter her fordi det kan være lurt å kontrollere tonene før du begynner på fargearbeidet. Dette bildet var veldig flatt, så jeg ønsket å øke kontrasten ved å få ned skyggene og heve de hvite. Du får mye mer spesifikk kontroll når du bruker glidebryteren Highlights, Shadows, Whites and Black, så gjør du det med Contrast-glidebryteren over dem. Så her er innstillingene jeg brukte:
- Høydepunkter -94
- Shadows -50
- Hvite +50
- Svarte -31
- Metning +50
- Eksponering -0,20
- Kontrast +19
Disse endringene ga følgende resultat:
Nå har jeg noen gode mørke toner i trærne og noen lyse hvite på himmelen (alt inneholdt i histogrammet). Noe metning gir meg en god ide om hvilken farge bildet vil ha (hvilken retning det lener seg naturlig). I dette tilfellet er det blått.
Bruk en tonekurve
Neste bestemte jeg meg for å bruke Curve-panelet for litt mer toneforandring; bringe opp skyggene og få ned høydepunktene. Nå er himmelen rikere og de mørke områdene ser mindre gjørmete ut.
Dehaze
Det var en virkelig vakker morgen med tåke og trær, for ikke å snakke om den fantastiske fuglen (fikk flaks der!). Når det er sagt, så jeg på dette bildet og følte at jeg ønsket å få frem mye mer detaljer i vannet og husene. Tåken var stor, men jeg var ganske sikker på at jeg kunne få flere detaljer uten tap av atmosfære. Svaret mitt var Dehaze i Effects-modulen.
Dehaze er nyttig for bilder som dette, men kan være veldig tøft hvis du ikke er forsiktig. Dette bildet så ut til å ta +44 uten negative effekter, som fargeblokkering og gjenoppretting av gjenstander, så jeg la det være der (se nedenfor).
Dehaze pleier å rote med metning, som du kan se her. Men, jeg, jeg likte det! Det jeg gikk på var å fjerne noe av tåken på vannet og husene, og det fungerte bra. Det hadde også den ekstra effekten at refleksjonen av trærne i vannet skiller seg ut.
Lokale justeringer
På dette tidspunktet begynner jeg vanligvis å slå moduler av og på for å se hva som skjer. Jeg trodde at skyggen av trærne på høyre side kunne bruke litt detaljer, så jeg lagde en maske med børsteverktøyet for å lette dem litt. Dette lyste også opp himmelen bak trærne og fikk det til å se mindre gjørmete ut. Så gjorde jeg det samme for refleksjonen.
Jeg likte tåken på vannet, men jeg ville at vannet skulle se skarpt ut. Så jeg brukte et gradert filter over det og satte klarhet opp til +74 og eksponering på +,60. Jeg endret også fargen for å matche den blå himmelen. Nå er det mye mer skille mellom vannet og refleksjonen.
Hvis jeg liker arbeidet mitt til et punkt, tar jeg et øyeblikksbilde slik at jeg kan fortsette å jobbe med bildet, men gå tilbake til det stadiet senere om nødvendig. Jeg er ganske fornøyd med det så langt. Nå er tiden jeg vil begynne å slå moduler av og på igjen for å se hva som må justeres.
Deretter, se nedenfor, valgte jeg å bruke HSL (Hue / Saturation / Luminance) -panelet sist bare for å øke spesifikke farger, i dette tilfellet blues. (Ikke sikker på hvorfor nå som jeg ser på det … sannsynligvis ville gjort det igjen uten det blå boostet).
Jeg prøvde å lette tonene i trærne, som ser gule ut, men LR hadde det ikke og sa at det faktisk var blått. Forståelig, siden det er en så blå rollebesetning over alt. Den eneste gule man kunne målrette mot var det siste treet helt til høyre. Jeg ender opp med dette:
Konklusjon
Nå - på det siste notatet, vil Lightroom aldri ødelegge bildet ditt eller gjøre permanente endringer. Derfor har du uendelige muligheter til å spille og lære hva som er mulig med denne fantastiske prosessverdenen. Behandling er andre halvdel av fotografering, å ta bildet er bare første halvdel. Nå oppfordrer jeg deg til å:
“Gå og gjør interessante feil, gjør fantastiske feil, gjør strålende og fantastiske feil. Bryt regler. La verden være mer interessant for å være her. Gjøre. God. Kunst." - Neil Gaiman
Jeg vil gjerne vite hva du synes. Kanskje du ville ha bearbeidet dette bildet helt annerledes? Kanskje du liker det jeg gjorde, og kanskje ikke du? Gi meg beskjed, jeg vil gjerne høre tankene dine.