Stilleben er en spesiell fotograferingsstil som sakte lokket meg inn i klørne. Gatewaymedikamentet var selvfølgelig matfotografering, og før jeg visste ordet av det, ble helgene mine brukt på å kamme bruktbutikker for rekvisitter og kjøpe opp lin i alle forskjellige nyanser.
Populariteten til Instagram har gitt opphav til bilder av alle forskjellige typer mat, drikke, dessert, kake og cocktail. Du heter det, noen skyter det, legger til et filter og legger ut på nettet før de til og med smaker på det. Bortsett fra den ene tingen det virkelig viser, er hvor vanskelig det er å komponere og ta et godt stilleben, spesielt med en mobiltelefon. Det er mange virkelig forferdelige skudd der ute. Noen laget til og med en morsom video om innsatsen som trengs for å få et godt skudd.
Av alle teknikkene jeg har lært på fotograferingen min, har ingen lært meg så mye som å gjøre stilleben.
Min første satsing på stilleben - en påskeutfordring som trengte hendene dine i bildet. Dette var før jeg hadde en trådløs fjernkontroll.
# 1 - Sakte ned, puster og tar deg god tid
Du trenger tre ting for et godt stilleben - lett, god komposisjon og et motiv. Ganske mye det samme som for ethvert fotografisk bilde egentlig. Men en av de beste tingene med stilleben er at du kan ta så lang tid du vil. Vanligvis skutt inn med litt kontroll over forholdene og med et statisk motiv, dette gir deg friheten til å være virkelig til stede og eksperimentere.
Som vist i videolinken ovenfor, er komposisjonen et nøkkelelement. Tar du motivet isolert? Vil rekvisitter hjelpe deg med å fortelle mer om en historie? Er det en spesiell stemning du går etter? Hvordan kan du oppnå det?
Jeg kjøpte disse gerberaene og skjøt dem hver dag i en uke til de var forbi sitt beste. Hver blomst hadde sin egen distinkte form og karakter som trengte tid for å få frem sitt beste
Hvilken vinkel er mest effektiv? Nærbilde eller inkludere mer miljø? Vil flat legging (overhead) eller side på være best?
Fordi du har mer kontroll over forholdene, kan du ta mye tid og skyte det samme motivet på mange forskjellige måter i ett skudd. Du kan komme ut med ett flott skudd eller flere gode. Det vil absolutt lære deg mye om hvor vanskelig det er å få et godt skudd.
Studioet mitt er mitt ekstra soverom, ett vindu og et sammenleggbart håndverksbord. Selvfølgelig en katt som kommer i veien!
2 - Komposisjon er nøkkel
Å være natur- og landskapsfotograf opprinnelig, er jeg vant til å skyte ting i stor skala. Mange pene fjell, innsjøer eller sjø, skyfylt himmel og så videre. Et praktisk forgrunnselement som en stein eller drivved eller tussock er inkludert for skalering og for å jorde bildet.
Så da jeg prøvde å skyte mye mindre ting på nært hold, var det litt av et sjokk å finne hvor vanskelig det var å komponere disse bildene godt.
En svart bakgrunn, en sølvskje og noen bringebær.
Det er interessant å lære hvordan en subtil vinkelforskjell kan påvirke utfallet av bildet. Hvor nært eller langt borte kameraet ditt kan endre balansen mellom motivet i rammen. Hvordan skala blir veldig viktig og et verktøy som skal brukes for de mest effektive bildene.
Jeg brukte timer på å ta så mange bilder, og kastet nesten alle om og om igjen til jeg fant ut problemet mitt. Kompleksitet. Jeg gjorde rookie-feilen ved å prøve å inkludere for mange elementer, som kastet balansen i komposisjonen. Det var overfylt og rotete og motivet ble overveldet av alle de ekstra tingene jeg dyttet i rammen.
En svart bakgrunn, en sølvskje og noen bringebær. Tatt i en annen vinkel, nærmere, mer intim og innbydende. Subtile forskjeller.
Det er her leksjon en virkelig begynte å gi mening. Ved å ta meg tid til å bremse, puste og se motivet mitt, se mulighetene, kjenne historien den prøvde å fortelle meg, skjøt jeg mye mindre, men keeperen min ble betydelig bedre.
Trikset var å holde det enkelt og sterkt.
3 - Se mulighetene
Dette trinnet kommer naturlig frem etter trinn ett og to. Når du tar deg tid til å være i øyeblikket med motivet ditt, plasserer det i belysningen du har, snur det på denne måten og det, så vil det vise deg den beste siden.
Hvis du gir deg selv og emnet ditt tid til å bli kjent, vil hemmelighetene bli avslørt. Det kan være en løk, eller det kan til og med være et portrett, den samme regelen gjelder. Hvis du tar deg tid til å bli kjent med emnet ditt, begynner du å se forskjellige muligheter. Kanskje denne bakgrunnen her er mindre rotete, kanskje denne platen forbedrer den naturlige fargen bedre, det rustikke brettet gir en flott våningshusappell.
Vær hvitløksfedd! Kjenn på hvitløksfeddet! Hør historien.
Jeg vet, det høres litt zen ut og sannsynligvis litt corny, men det gjør det ikke mindre sant. Ja, du kan ta to sekunder å plassere et skinnende rødt eple og skyte det og ha et helt akseptabelt bilde.
Men hva mer kan du ende opp med hvis du tok 20 minutter, og plasserte eplet i forskjellige vinkler, på forskjellige overflater? Kanskje du klipper den opp eller tar en stor bit av den? Pose den med et glass cider? Kanskje du har en håndfull som ser bra ut i en dekorativ bolle?
Fokuset for dette skuddet er det morsomme krøllet med smør på bagelen, men historien er søndag morgenbrunsj. Ja, det var deilig også!
Med mindre du gir deg tid til å slappe av og la mulighetene gjøre seg kjent for deg, i stedet for å fokusere på ett utfall, ta det skuddet og gå videre, vil du gå glipp av mange muligheter. I tillegg begrenser du sjansene dine for å lære og vokse også.
Jeg mislyktes konsekvent når jeg begynte med stilllivsfotografering, og det var veldig frustrerende, men det fikk meg til å jobbe enda hardere. Når jeg først fikk det, forbedret kvaliteten på arbeidet mitt raskere enn forventet, noe som var en fin bonus.
4 - Gå abstrakt
Det er lettere å skyte noe helt og gi det en åpenbar sammenheng, slik at betrakteren ikke trenger å tenke på hva de ser.
Men hvor mye mer spennende ville arbeidet ditt blitt hvis seeren måtte ta litt tid å tenke på hva de så? Hvor det ertet på kanten av bevisstheten deres at de skulle vite hva gjenstanden var, men kunne ikke helt finne ut av det? Hva om bildet ditt satt fast med dem og nigget bort i bakhodet? Hvor de faktisk husker det av de mange hundre bildene som ble sett den dagen og rullet forbi på telefonen sin?
En metallbenk i byen, men tatt side på og åpenbar kontekst fjernet med fokus på linjene og sirklene i stedet.
Ikke vær redd for å gå abstrakt. Å skyte noe på en måte som skjuler sin opprinnelige form, form eller formål. Vær så uklar som du vil så lenge det er interessant og arresterende. Uklarhet av hensyn til det kan utsette folk i stedet for å engasjere dem.
Et stykke isfjell tatt nært fra en båt for å fange den intense blå fargen og teksturen til boblene frøs inne i isen.
Igjen tar deg tid til å se på motivet ditt, se dets muligheter og vinkler og være kreative, alle gjelder her. Dette tipset kan du enkelt ta ut i verden. Det er mange små intrikate elementer som pryder verden hvis du tar deg tid til å se dem, interessante former avslørt når du skjuler den åpenbare konteksten. Djevelen er i detaljene, ha det gøy å finne dem.
Et fantastisk art deco trappegang.
5 - Rekvisitter
Rekvisitter er en viktig del av stilleben fotografering. De setter scenen, fargetonen, stemningen og følelsen av bildet du lager. Å lære å støtte og style et skudd godt var det vanskeligste for meg med stilleben. Det er vanskelig å gjøre det bra uten nok muligheter å jobbe med.
Dette betyr ikke at du trenger hundrevis av retter og boller og håndklær og stoff og bestikk (selv om det er lett å ende opp med dem). Men noen nøye utvalgte alternativer som gir deg fleksibilitet er et godt valg.
Det meste av stillebenssamlingen min. Nok variasjon til å være nyttig og fleksibel.
Dette er ikke den eneste stilen med fotografering som drar nytte av rekvisitter: portretter, forlovelse, bryllup, barn, kjæledyr og familiefotografering drar alle fordel av bruken av rekvisitter. Når som helst du har mennesker i bildet ditt, kan du engasjere dem bedre når du har noe de kan samhandle med.
Hva med fargen og stilen på klærne de har på seg? Hårfarge eller stil? Sminke? Sko? Hvor mye moro kan man få bare med en fargerik paraply?
En modell kledd som Rødhette, iført en rød rød fløyels hettekappe og faux middelaldersk antrekk. Skutt på en gammel eiendom ved å bruke en ødelagt treport som rekvisitt.
Dette er alle elementer som kan forbedre eller forårsake forstyrrelser i bildet ditt. Hva er historien du forteller? Hvilket humør prøver du å fremkalle? Derfor hvilken stil eller fargeklær kommer til å fungere best? Dette er noe å tenke på og diskutere med alle klienter på forhånd.
Konklusjon
Før jeg begynte å fotografere stilleben fotograferte jeg meg for fort. Jeg ville nøye meg med det åpenbare skuddet og la meg frustrert fordi det var kjedelig, forutsigbart og ikke annerledes nok. Nå tar jeg meg tid til å forberede meg ordentlig og gi meg god tid til å skyte. Det er morsomt og spennende å se etter kreative alternativer og være forberedt på å eksperimentere.
Nå skyter jeg mye mindre, men kvaliteten på arbeidet mitt har blitt bedre, og jeg vet når jeg har oppnådd et keeperskudd. Min evne til å komponere og style et bilde er blitt bedre. Å inkludere andre elementer for å fortelle en historie har lagt dybde og nyanser til bildene mine som tidligere manglet.
Det som er bra er at disse fordelene gjelder nesten alle former for fotografering, noen mer enn andre, tydeligvis. Vil du bare ha et raskt snap, eller vil du engasjere seeren din fullt ut? Hva er historien du prøver å fortelle? Hvilken følelse vil du dele? Hvordan kan du få kontakt med betrakteren og få bildet til å skille seg ut fra Instagram- eller Facebook-publikummet? Hva skiller arbeidet ditt fra de millioner av bildene som legges ut på nettet hver dag?
Det betyr faktisk hvor mye arbeid og trodde du legger i å lage ditt bilde. Som alle nye ferdigheter, vil det ta tid å lære. Jeg utfordrer deg til å prøve det i noen måneder, og deretter sammenligne det nye arbeidet ditt med de eldre tingene dine og se forskjellen.