I løpet av de siste årene har jeg lært mye om å lage portretter, spesielt av små barn. Jeg tror det er fordi jeg får så mye glede av denne typen skudd at jeg ender opp med å gjøre dem mer, men på et tidspunkt virker det neppe rettferdig fordi jeg lurer på om jeg har det mer moro enn barna jeg tar bilder.
Selv om hver økt er unik, har jeg utviklet min egen stil (som på mange måter alltid vil være et pågående arbeid når jeg fortsetter å lære nye ting) når det gjelder både fotograferings- og redigeringsprosessen, og jeg tenkte at hjelpe de som er ny i denne typen fotosession til å se noen få eksempler sammen med en forklaring på de kreative valgene jeg tok underveis. Jeg gjør alle endringene mine i Lightroom, og mens jeg noen ganger trenger å gjøre noen mer grundige justeringer i Photoshop, trenger 98% av alle bildene jeg gir til klienter ikke noe mer enn det Lightroom kan gjøre. Hvis du ikke har denne programvaren, anbefaler jeg den på det sterkeste!
Få det først i kameraet
Før jeg kommer til redigeringsdelen av dette stykket, må jeg avklare en ting: ingen redigering kan gjøre opp for innledende feil på stedet, og det er derfor det er så viktig å få det første bildet så godt som mulig fra begynnelsen. Dette innebærer ting som å velge et godt sted å ta bilder, finne riktig tidspunkt på dagen og kommunisere med fagene dine (og foreldrene deres, hvis du jobber med barn). I tillegg til det er dine egne kreative valg som blenderåpning og brennvidde, sammensetningen av bildet ditt, vinkelen du velger å fotografere fra, lysmanipuleringen du bruker, og en rekke andre elementer som har en enorm innvirkning på endelig utfall av en gitt fotosesjon.
Selvfølgelig, hvis du jobber i et studio, har du mye større kontroll over noen av disse elementene, men på slutten av dagen vil et første bilde som er dårlig skutt, forbli akkurat det, uansett hvor mye du prøver å redigere det i Lightroom eller Photoshop. . Jeg sier alt dette for å sikre at du forstår at redigeringsverktøy ikke er en magisk kur for å få alle bildene til å skinne. Og den beste måten å sikre at bildene dine er så gode som de kan være fra begynnelsen, er å fokusere ikke på redigering, men på grunnleggende som eksponering, belysning, innramming og komposisjon. Det hjelper også å ta bilder i RAW, ikke JPEG.webp, for å maksimere datamengden du kan jobbe med på hvert enkelt fotografi.
Grunnleggende portrettbehandling i Lightroom
Jeg tok dette bildet med Nikon D7100 på 50 mm, f / 1.8, ISO 200. Siden solen gikk ned og jeg ikke jobbet med lys fra utenfor kameraet, var lysalternativene mine litt begrensede. Jeg hadde faren hans stå bak meg med Neewer 43-tommers reflektor for å fange litt mer av det tilgjengelige lyset. (Hvis du ikke har en av disse, anbefaler jeg å skaffe deg en. De er ganske billige og et fantastisk tillegg til ethvert kameraoppsett.)
Det opprinnelige bildet var litt undereksponert, som vist i histogrammet også.
Jeg valgte også å ramme inn barnet med den grønne busken i bakgrunnen, og av det halvt dusin bildene jeg fikk av akkurat denne posen, likte jeg denne der han ikke helt så på kameraet. Ofte når jeg jobber med barn, har jeg funnet ut at de beste bildene er litt mer ærlige i motsetning til poserte, men igjen, dette er et kreativt valg du må ta for deg selv. Til slutt sørget jeg for å skyte dette i RAW for å dra nytte av så mye data som mulig for å rette opp noen ting på datamaskinen min. Med en gang la du sikkert merke til at bildet er litt for mørkt, som var det første jeg fikset i Lightroom.
En rask titt på histogrammet viste meg at jeg samlet sett fikk ting ganske bra i kameraet, men for å få det til å se litt bedre ut økte jeg eksponeringen med 1,2 stopp, samt beskjærte den litt for å fokusere betrakterens oppmerksomhet på guttens ansikt uten den distraherende røde bygningen i bakgrunnen.
Første redigeringer: Beskjæres og økte eksponeringen med 1,2 stopp.
Så langt så bra, men det er fortsatt mye arbeid som må gjøres. Mens den generelle lysstyrken var bedre, var fargingen fortsatt litt av. De første innstillingene for hvitbalanse bestemt av kameraet mitt var 4900K og -9 fargetone, men jeg ville ha noe litt varmere, så jeg økte temperaturen til 5700K og endret fargen til -7.
Andre redigeringer: Juster hvitbalanse og fargetone.
Jeg likte dette mye bedre, men det var fortsatt noen ting som trengte å fikse. Nå som helhetsbildet ble skikkelig eksponert, var det noen deler som var litt for lyse, som ble håndtert ved å senke glidebryteren med -19. Etter det økte jeg metningen til +6 og la til +4 kontrast også.
Tredje redigering: lavere høydepunkter, øke metning og kontrast.
Jeg var mye mer fornøyd med dette, men det er viktig å huske at alle endringene du gjør på et bilde i etterproduksjonen er basert på dine egne kreative ideer, og det er ingen riktig eller feil måte å gjøre ting på. Noen mennesker liker bilder som er umettede, noen foretrekker selektiv farging (dvs. en del er fargelagt eller overmettet mens resten av bildet er mer svart-hvitt), andre bruker beskjæring for å oppnå forskjellige effekter. Himmelen er virkelig grensen. En ting jeg liker å gjøre fra tid til annen er å legge til en subtil vignetteffekt (ved hjelp av Post Crop Vignette på -26, Highlight Priority), som jeg gjorde her for å resultere i det endelige bildet jeg ga til klienten.
Siste redigeringer: legg til litt kantvignett, andre mindre fargejusteringer.
Du kan se på dette og synes fargestoffet er litt av, eller vignetten skal være sterkere, eller hele innrammingen skal være annerledes, men den vakre delen av fotografering er at vi alle har våre egne meninger om hvordan vi skal gjøre ting. Jeg var fornøyd og det var også klientene mine, som er alt som betyr noe for meg.
På dette bildet brukte jeg børsteverktøyet til å selektivt desaturere den oransje stripen på guttens skjorte, og Radial Filter for å legge til en mer presis vignett.
Jeg tror det er viktig å opprettholde en følelse av virkeligheten i bilder, og ikke la redigeringen komme ut av hånden. Det er lett å føle meg som en allmektig genie når du begynner å leke med verktøyene i Lightroom, Photoshop eller annen redigeringsprogramvare, men min tommelfingerregel når du redigerer er å prøve å få det endelige bildet til å representere det jeg så, da jeg tok først bildet. I bildet ovenfor, for eksempel, var den oransje stripen på gutteskjorten litt distraherende, så jeg var i stand til å selektivt desaturere den ganske mye med Lightrooms justeringsbørsteverktøy. Dette, sammen med andre endringer som ligner på de som er beskrevet ovenfor, resulterte i et bilde som klienten min var ganske fornøyd med.
Poenget mitt er at det er flott å ha disse redigeringsverktøyene tilgjengelige, men hvis jeg begynner å lene meg for tungt på metningen, støter klarheten til absurde nivåer, eller gjør dusinvis av små endringer med børsteverktøyet, ender jeg vanligvis med bilder som ligner lite på originalen og kommer over som følelsesløs og tom.
Hva med deg? Hvilken stil har du utviklet gjennom årene, og hvilken tilnærming bruker du når du setter deg ned for å redigere? Legg inn tankene dine i kommentarfeltet nedenfor.