Å redigere fotografier i seg selv er en kunst. Det er det som har gjort så mange flotte fotografer legendariske. Evnen til å ta grensene for en todimensjonal representasjon av en tredimensjonal verden, presisere den på en type film eller digital sensor, da, og bare da, for å lage bildet etter eget ønske.
Det er faktisk en kunst som reiser spørsmålet - hvor trekkes linjen for for mye redigering?
Som kunst og hvordan man definerer den, er ikke svaret grei. Vi har hver vår tolkning, men la oss ta en titt på noen parametere. Det er tre spørsmål du kanskje vil stille deg selv neste gang du dykker inn for å redigere bildene.
Hva er intensjonen min?
I filmens dager måtte du ha intensjon. Selv om intensjonen din var å "rote rundt og lære noen ting", skjønte du at det var en direkte kostnad for den læringen. Kostnaden var film, papir, kjemiske løsninger og tid - dessuten penger.
Nå er det så lett å eksperimentere at alle barn med en iPhone kan gjøre det. Jeg synes det er bra. Eksperimentering er en viktig del av kunstnerisk uttrykk og gjelder spesielt med fotoredigering.
Å ha intensjon er viktig når du kombinerer med å eksperimentere hvis du håper å lære, vokse og utvikle deg.
Intent lar deg vite når eksperimenteringen din går for langt, og endringene dine er for mye. Hensikten er en fantastisk guide, med god bredde hvis du skjenker den.
Mitt forslag her er å ha intensjon med redigeringseksperimentet ditt. Vet hva du håper å tjene på å eksperimentere og ha en generell retning.
Har jeg holdt meg tro mot visjonen min?
Visjon er dit intensjonen din tar deg. Å ha kunstnerisk visjon hjelper med å plassere grenser for arbeidet ditt som ofte er nødvendig, for ikke å bli alt kaos.
Kanskje en portrettfotografs visjon er å skildre hvert emne på en dempet måte med myk belysning og harde detaljer. De vil vise den siden av hvert emne, og det fører til deres hensikt, om og om igjen. Det kan repeteres.
Dette er en redigering forfatteren nå innrømmer at det var for mye redigering, selv om det var morsomt den gangen.
Alternativt, kanskje du er en landskapsfotograf som ser for deg at arbeidet ditt er en sannferdig skildring av det du opplevde, ikke en fantasifull ‘perfekt verden.’ Du legger vekt på å gjenskape scenen når du er tilbake på datamaskinen din og bruker verktøy til din endelige visjon.
Uten å ha en visjon om hva du vil produsere, er det lett å bli påvirket av sirensangen til virkelig kule redigeringsverktøy som trekker deg mot klippene av redigeringsruinen.
Er dette bærekraftig?
Jeg mener ikke å si at all kunst, alle former for redigering du velger, trenger å vare evig. Vi går alle gjennom faser. Dette slo meg mest dypt på en reise til Barcelona nylig og en gjennomgang av Goyas verk gjennom tiårene han malte.
For det første var det Goyas tidlige karrierefaser der han krevde reproduksjon i fransk og italiensk stil. Disse var de viktigste. Vakre portretter!
Så, senere, hadde han en mer forenklet stil. Fylt med enkle farger og en løsere tolkning av verden rundt ham med alle spillerne.
I et av de siste lokalene var det utstillinger av Goyas "Black period." Kull og mørke toner, og fryktelige motgangsscener. Ingenting i likhet med det han hadde produsert før.
De fleste av oss beveger oss gjennom perioder. Det diskvalifiserer ikke øyeblikkelig noen av dem som kunst (i redaksjonell forstand), men det gir oss et godt speil.
Vi er vår egen hardeste kritiker, og vi alene kan se tilbake på arbeidet vi gjorde for en, fem eller tjue år siden og anså det som kunst eller ikke. Hvis vi ser en stil, en tråd som går gjennom alle verkene våre, er det lett å si at vi har laget kunst. Imidlertid, hvis vi finner ut av fordelen med tid og avstand, at noe vi trodde var bieens knær, nå, for våre mer erfarne øyne, søppel, kan vi kaste det til side.
HDR-mani som et eksempel
For noen år siden, da digital fotografering fanget opp med massene, kom HDR-mani. Det var en tid da noen kunne bruke en bestemt teknikk for å oppnå det som kalles HDR-bilder (High Dynamic Range).
For noen var det en morsom avvik fra deres normale rutine. Andre så det som en sjanse til å vise alt i en scene; kanskje ikke det samme som øynene deres så, men bedre enn alternativet.
Noen av oss fikk magen hver gang vi så et av disse bildene.
Det var nytt, og det var nytt. Dessuten passet det ikke inn i mange fotograferes visjoner. I dag er det vanskelig å finne eksempler på de tidlige forsøkene som fortsatt blir gjengitt. Det var ikke bærekraftig.
Selv om det var gøy en stund. Spesielt for de som likte avgangen fra virkeligheten.
Jeg vil bekjenne at det dreide seg om for mye redigering, og at det møtte sin sannsynlige død på grunn av det.
Konklusjon
Mens jeg bestemmer hva som dikterer for mye redigering, er subjektivt for betrakteren og deres opplevelse, håper jeg at spørsmålene jeg stilte ovenfor hjelper deg med å lede deg i fremtiden.
Jeg er ikke her for å bedømme arbeidet ditt eller for å si at du kan ta feil. Den stemmen, og hva kunsten din betyr for deg, må komme fra innsiden av deg.
Utvikle visjonen din. Vær tro mot det. Fokuser intensjonen mot det. Da trenger du knapt bekymre deg hvis du har gått for langt i redigeringsarbeidet ditt.